San Francisco Ballet

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La compañía profesional de ballet más antigua de Estados Unidos ha emergido como una organización artística de clase mundial desde su fundación con el nombre de San Francisco Opera Ballet en 1933. Inicialmente su propósito principal era entrenar bailarines para su aparición en fastuosas producciones de ópera de larga duración. Nunca he visto en vivo a esta compañía, pero con lo que he visto en videos y TV no necesito verla en directo para afirmar que es una de las grandes, uno de los mejores ballets del mundo.

William Christensen llegó en 1938 y coreografió la primera producción de larga duración de la compañía: Coppélia, al año siguiente. En 1940, montó la primera producción de El Lago de los Cisnes. En Nochebuena de 1944, Christensen hizo el lanzamiento de una festiva tradición nacional con la premiere del Cascanueces, la primera versión completa del ballet presentada en los Estados Unidos. En 1942 la Compañía se convirtió en una entidad totalmente separada de la ópera y fue renombrada San Francisco Ballet. Willam Christensen era el director artístico y su hermano Harold fue designado director de la San Francisco Ballet School, cargo que retuvo durante 33 años. Lew Christensen, primer bailarín de Estados Unidos, se unió a Willam como co-director en 1951 y se hizo cargo de la Compañía el año siguiente. Bajo la dirección de Lew, la Compañía hizo su debut en la Costa Este en el Jacob’s Pillow Dance Festival en 1956 y una gira por 11 países Asiáticos el siguiente año, marcando las primeras presentaciones de una compañía de ballet Americana en el Lejano Oriente.
En 1972, después de presentarse en diversos teatros de San Francisco, la Compañía se estableció permanentemente en la War Memorial Opera House. Al año siguiente, Michael Smuin fue designado director artístico asociado y celebró su nueva sociedad con Lew Christensen colaborando en una producción de larga duración de Cenicienta. Otras grandes producciones de Smuin fueron Romeo y Julieta y The Tempest, el primer ballet transmitido en vivo desde la War Memorial Opera House y nominado para 3 Premios Emmy (Willa Kim recibió el premio por Diseño de Vestuario Sobresaliente). Tres años después, Smuin recibió un Premio Emmy por la Coreografía de “Great Performances—Dance in America” transmisión nacional de A Song for Dead Warriors.
En 1974 el San Francisco Ballet se enfrentó a la bancarrota, pero sus partidarios y la comunidad respondieron con un extraordinario esfuerzo local llamado “Salve a Nuestro Ballet,” que exitosamente sacó a la Compañía del problema. Ese mismo año, el Dr. Richard E. LeBlond, Jr. fue designado presidente y director general de la San Francisco Ballet Association, desarrolló el primer plan a largo plazo para una compañía de danza Estadounidense y en 18 meses el San Francisco Ballet se encontraba financieramente en números negros.

La llegada de Helgi Tomasson como director artístico en Julio de 1985 marcó el comienzo de una nueva era para el San Francisco Ballet. Al igual que Lew Christensen, Tomasson había sido por muchos años bailarín principal del coreógrafo de ballet más importante del siglo XX: George Balanchine. Antes de dos años de la llegada de Tomasson, el San Francisco Ballet develó su cuarta producción del Cascanueces durante la Temporada de Repertorio No. 54 de la Compañía. Tomasson desde entonces ha montado aclamadas producciones de larga duración de muchos clásicos, incluyendo El Lago de los Cisnes (1988); La Bella Durmiente (1990); Romeo y Julieta (1994); Giselle (1999); Don Quijote, en colaboración con el antes Bailarín Principal y actual coreógrafo residente Yuri Possokhov (2003); y un nuevo Cascanueces (2004).

En 1991 el San Francisco Ballet se presentó en Nueva York por primera vez en 26 años, regresando en 1993, 1995, 1998, 2002 y 2006 para el primer compromiso de la Compañía en el Lincoln Center Festival. Después de la primera gira, The New York Times proclamó: “El Sr. Tomasson ha logrado algo sin precedentes; llevó a una compañía regional a clasificaciones nacionales, y lo ha hecho perfeccionando a los bailarines dentro de un estilo clásico de brío y pureza asombrosos. Bajo el liderazgo de Helgi Tomasson, esta es una de las espectaculares historias de éxito de las artes en Estados Unidos.”

El San Francisco Ballet continúa enriqueciendo y expandiendo su repertorio, presentando aproximadamente 100 funciones anualmente. El vasto repertorio de la Compañía incluye trabajos de Sir Frederick Ashton, George Balanchine, August Bournonville, Christopher Bruce, Val Caniparoli, Lew Christensen, Nacho Duato, Flemming Flindt, William Forsythe, James Kudelka, Jirí Kylián, Lar Lubovitch, Agnes de Mille, Sir Kenneth MacMillan, Hans van Manen, Peter Martins, Mark Morris, Rudolf Nureyev, Marius Petipa, Roland Petit, Jerome Robbins, Paul Taylor, Antony Tudor y Christopher Wheeldon.













En años recientes el programa de giras de la Compañía se ha vuelto crecientemente ambicioso. En particular, la Compañía ha desarrollado fuertes relaciones con varios centros domésticos de artes escénicas incluyendo el John F. Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.; el New York City Center y el Southern California’s Orange County Performing Arts Center. También ha realizado giras más frecuentes al extranjero, incluyendo compromisos con prestigiosas sedes como el afamado Opéra de Paris-Palais Garnier en Paris (2001); el Sadler’s Wells Theatre (1999, 2004) y la Royal Opera House en Covent Garden (2002) en Londres; el Teatro Megaron en Atenas (2002); el Dorothy Chandler Pavilion en Los Angeles (2003) y el Edinburgh International Festival en la Edinburgh Playhouse (2003).De la presentación de la Compañía en Londres en 2004, David Dougill de The Sunday Times escribió: “La sobresaliente dirección artística de Helgi Tomasson (ahora en su año número 20)…ha transformado una compañía regional Estadounidense en una de las mejores compañías de ballet del mundo.”
En 2005 la Compañía regresó a Paris, participando en Les étés de la danse de Paris, un nuevo festival de danza realizado en exteriores en el distrito Marais de Paris. Como parte del repertorio de tres programas, el San Francisco Ballet presentó trabajos comisionados de los coreógrafos aclamados internacionalmente Lar Lubovitch, Paul Taylor y Christopher Wheeldon.
En 2004, el San Francisco Ballet fue la primera compañía de ballet Estadounidense en presentar la obra de larga duración Sylvia, con coreografía totalmente nueva de Mark Morris. La Compañía también realizó la Centennial Celebration, una celebración de dos semanas, en honor del centenario del nacimiento del Coreógrafo Maestro George Balanchine. En diciembre de 2004, el San Francisco Ballet estrenó la nueva producción de Tomasson del Cascanueces, aclamada por The New York Times como “…sorprendente, elegante y hermosa.”

En 2005, a Tomasson le fue otorgada la prestigiosa medalla Lew Christensen Medal en honor de su vigésimo aniversario como director artístico del San Francisco Ballet, y ese mismo año la Compañía ganó su primer premio Laurence Olivier Award, por su temporada de otoño de 2004 en el Sadler’s Wells Theatre.

En 2006, en una encuesta realizada a lectores conducida por la revista Dance Europe, el San Francisco Ballet fue la compañía no Europea más votada como “Compañía del Año”. En 2008, el San Francisco Ballet celebró su aniversario número 75. La Escuela del San Francisco Ballet, supervisada por Tomasson, atrae estudiantes de todo el mundo, entrenando un promedio de 350 anualmente. Además de engrosar las filas del San Francisco Ballet, los graduados se han incorporado a distinguidas compañías de ballet en todo el mundo.

Isaac Hernández, uno de nuestros orgullos mexicanos de la danza, se convirtió rápidamente en bailarín principal de esta gran compañía, a la cual se incorporó en 2008 y de quien se han leído muy buenos comentarios en las críticas internacionales.

Maya Plisetskaya

Leyenda Viviente de la DanzaEn su cumpleaños No. 80 - Gala en Moscú
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Diosa de la Danza, considerada entre las más grandes bailarinas del siglo XX, una de mis predilectas. Tuve la oportunidad de verla bailar en vivo en los 70's en la Arena México, con el Ballet Bolshoi. Ese movimiento de brazos en La Muerte del Cisne jamás lo olvidaré, lo tengo muy presente en mi memoria y aún se me pone la piel de gallina cuando pienso en ello. En aquella ocasión la hicimos salir 6 veces y la llenamos de aplausos para que ella nos ofreciera el "Encore". Para mí, el poder verla bailar en vivo fue un privilegio, un verdadero honor, de esos que no se tienen con frecuencia en la vida. Yo hubiera puesto aún más fotos de ella, pues me encanta como luce siempre, con su gran físico y su expresión plena de satisfacción. En el slideshow del lado derecho de este blog tienen más fotos.

Maya es conocida por la altura de sus saltos, su espalda extremadamente flexible, la fuerza técnica de su danza y su carisma. Sus port de bras son estupendos y ella en verdad se posesiona del escenario. Nació en Moscú el 20 de noviembre de 1925. La primera vez que bailó en el Teatro Bolshoi tenía 11 años. Desde el principio, Maya fue una clase diferente de bailarina; a diferencia de muchas bailarinas, ella no estuvo en el cuerpo de ballet. Fue nombrada solista inmediatamente después de graduarse a los 18 años en la Escuela Coreográfica del Gran Teatro Bolshoi en 1943 y bailó con esta compañía hasta 1990.

Rápidamente fue reconocida como una de las más destacadas bailarinas del mundo, combinando una técnica impecable con un matiz que va de lo sensitivo a lo emocional. Es una figura glamorosa dentro y fuera del escenario. Sus largos brazos tenían una fluidez que a la fecha permanece sin igual. Su interpretación de La Muerte del Cisne, una pieza corta que hizo famosa Anna Pavlova, se convirtió en su tarjeta de presentación.

No hay que confundir esta obra con El Lago de los Cisnes, mucha gente lo hace. La Muerte del Cisne originalmente se llama “El Cisne”, y es el décimo tercer movimiento del Carnaval de los Animales de Camille Saint-Saens en 1866. Se le conoce como La Muerte del Cisne por un poema de Tennyson. El coreógrafo Michel Fokine, quien había leído el poema, trabajó con Anna Pavlova para crear el famoso solo de ballet en 1905. Según la tradición, el cisne en el baile de la Pavlova está gravemente herido y agonizando. Sin embargo, Maya Plisetskaya lo re-interpretó simplemente como un cisne mayor y testarudo que se resiste a los efectos de la edad. Maya Plisetskaya bailó La Muerte del Cisne en una gala cuando cumplió 70 años.

A pesar de la aclamación en sus inicios, Maya no fue bien tratada por la dirección del Bolshoi. Ella era judía en un clima antisemita, su familia fue muy afectada durante el periodo Stalinista y su personalidad era rebelde, de modo que por razones políticas fue excluida y no se le permitió ir de gira fuera del país después de unirse al Bolshoi. Fue hasta 1959 que finalmente el presidente Nikita Khrushchev le permitió viajar al extranjero en el American Tour con el Bolshoi. Y el mundo pudo ver a Maya Plisetskaya.

Tuvo un gran éxito en América y desde entonces bailó mucho fuera de Rusia. Fue artista invitada del Paris Opéra Ballet en 1961 y 1964. Ella cambió el mundo del ballet para siempre, estableciendo objetivos más altos para las bailarinas de todas partes, en términos tanto de brillantez de técnica como de presencia dramática.

A lo largo de su carrera, su versatilidad le ha permitido encarnar a infinidad de personajes del ballet clásico muy diversos, como Odette-Odile en El Lago de los Cisnes, el rol principal en Carmen, Zarema en La Fuente de Bakchisaray, Kitri en Don Quijote, Aegina en Espartaco, Raymonda y Julieta. En lo personal me gustan mucho sus interpretaciones de La Muerte del Cisne y de Bolero de Maurice Béjart.

Maya Plisetskaya es la personalidad más apasionante que ha emergido del mundo del ballet desde la legendaria Anna Pavlova. Con su asombrosa energía y el total rechazo de las técnicas convencionales del ballet, se ha convertido en una leyenda por derecho propio. Su método revolucionario se dio a conocer en todo el mundo a través de sus interpretaciones de Raymonda y Odette/Odile en El Lago de los Cisnes. Muchos de los grandes coreógrafos del mundo han creado roles para ella, incluyendo a Yury Grigorovich, Alberto Alonso, Roland Petit (La Rose Malade) y Maurice Béjart (Isadora).

De entre las distinciones y premios que ha recibido durante su carrera, destacan el Premio de la Artista del Pueblo de la URSS (1959), el Premio Anna Pavlova de París (1962), el Premio Lenin (1964), la Distinción de Héroe del Trabajo Socialista (1985), la Orden de la Legión de Honor de Francia (1986), Nombramiento como profesora en la Sorbona (1987), la Medalla de Oro de las Bellas Artes de España (1991), Nombramiento como profesora en la Universidad del Estado de Lomonossov en Moscú (1993), la más alta condecoración de su país: la Medalla al Servicio de Rusia, recibida en tres ocasiones (1995, 2000 y 2005), el Russian National Olympus Prize en la nominación "Título Honorario: Superestrella" (2000), el Premio Ruso "Triumph" (2000), Premio Príncipe de Asturias de las Artes, España (2005), Premio Barbora-Radvilaite (Vilnius/Litvania) (2005), Praemium Imperiale en la nominación Theatre/Film, Japón (2006), Miembro de la rama Armenia de la Academia Internacional de Ciencias Naturales y Sociales (2008). Es doctora honoris causa por las universidades Lomonosov de Moscú, la Sorbona de París y la Hungarian Dance Academy de Budapest

En la actualidad, sigue vinculada a la gran vocación de su vida dando clases a jóvenes artistas de todo el mundo. La crítica decía de ella que tenía una personalidad arrolladora y un estilo propio inconfundible. Desde sus primeros éxitos se la conoce con el sobrenombre de "La Reina del Aire". Otro de sus sobrenombres es el de “La Diva de Moscú”.

Maya Plisetskaya tuvo una actuación a los 81 años en el Festival Jardins de Cap Roig, su última actuación ante el público de Cataluña, acompañada de las primeras figuras de los ballets Bolshoi de Moscú y Mariinsky de San Petersburgo y otros bailarines invitados.

Nacionalizada española en 1993, es de las muy pocas bailarinas que han alcanzado el título más prestigioso que una artista de esta especialidad puede conseguir, el de "Prima Ballerina Assoluta", que ya trataré en otro post. La presencia de su aliado más fiel, el pianista y compositor Rodion Shchedrin, quien compuso para ella cinco ballets, fue determinante en su vida. En su primera visita a Nueva York, el New York Times la llamó "La Callas del Ballet".

En 1994 presentó en Moscú sus memorias, con el título Yo, Maya Plisetskaya, autobiografía editada por Nerea (tr. 2001), en el que revela las dificultades que padeció como artista en la Unión Soviética y habla de su amor e "ilusión" por España desde su más tierna infancia, entre otras cosas. Este libro ha sido traducido a catorce idiomas, entre ellos el alemán, el italiano, el español, el japonés y el serbio.

En dicho libro también habla de la revolución, la muerte de su padre, ejecutado por orden de Stalin en 1937, la deportación de su madre con su hermano al Gulag y el hecho de ser considerada "hija de enemigo del pueblo", vivencias plasmadas por la artista quien gracias a sus tíos comenzó su carrera como bailarina en el Bolshoi.

Maya, que a su edad se muestra espléndida en todos los sentidos, durante la presentación del libro Yo, Maya Plisetskaya recordó su amor e ilusión por España desde niña. "El primer disco que oí en mi vida fue 'Carmen'. Yo tenía 7 años y aún no bailaba. A los 10, en la escuela coreográfica me entusiasmaba 'La jota española' y la bailaba con placer. Luego, en el teatro he bailado 'Don Quijote' o 'Fuenteovejuna', ballets clásicos sobre tema español, y mi esposo me escribió 'Imitación de Albéniz' y 'Carmen suite' en donde se hacía realidad este sueño que me persiguió desde siempre", dijo.

"El año pasado, por mi 80 cumpleaños, hicieron una gran fiesta en el Kremlin y pude bailar flamenco con Joaquín Cortés. Aquello tuvo mucho éxito", apostilló asegurando que en ella había mucho de España antes de trabajar ahí.

A este respecto, la bailarina y coreógrafa confesó que no volvería en las mismas circunstancias que cuando estuvo dirigiendo el Ballet Lírico Nacional de España. "La mayor dificultad era el idioma y luego había algunas personas que se aprovecharon de ello y ponían en mi boca cosas que nunca pensé ni imaginé. Con los artistas no tuve problemas, eran mis compañeros, pero reconozco que mi capacidad organizadora era menor que mi capacidad como bailarina. Aquello fue un tormento", declaró. A pesar de ello, Plisetskaya de vez en cuando da clases magistrales, como las que ofreció en el Teatro de Madrid invitada por José Manuel Garrido.

En relación con los duros golpes recibidos en la vida, la artista aseguró que "lamentarse no sirve de nada" y señaló que todo lo que ha hecho ha sido superando "mucha resistencia", gracias a lo cual se halla ahora donde está. Para ella, recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes fue algo que le desbordó de entusiasmo. "Sabía que nunca se le había dado un premio tan alto al ballet y me sentí orgullosa y aún más por compartirlo con una joven bailarina como Tamara Rojo", dijo.

Sobre las claves de su longevidad profesional, Maya Plisetskaya ejemplificó con los cientos de rosas que le regalan; las cuida y les cambia el agua diariamente, pero al final todas acaban mustias, menos una. Pues eso mismo ocurre con las personas", concluyó.

En el año 2000 creó con su marido (desde 1958) la Fundación Maya Plisetskaya y Rodion Shchedrin, ubicada en la localidad alemana de Mainz, con el objetivo de preservar, documentar y facilitar el acceso libre a la obra artística de ambos.

El primer trabajo de Plisetskaya como coreógrafa fue un ballet basado en Ana Karenina de Tolstoy, utilizando música compuesta por su esposo, puesto en escena en 1972 y filmado en 1974. En este montaje Plisetskaya asumió las tareas de directora escénica y coreógrafa. Fue directora artística del Ballet de la Ópera de Roma (1984–1985) y del Ballet Lírico Nacional de España (1987-1989). En 1994 fundó el Ballet Imperial Ruso.A la edad de 65 años, finalmente se retiró del Bolshoi como solista.

En su cumpleaños número 70, debutó en un número coreografiado exclusivamente para ella por Maurice Béjart, titulado "Ave Maya", basado en el "Ave María".

Desde 1994, ha estado presidiendo la competencia internacional anual de ballet llamada "Maya". En 1996 fue nombrada Presidenta del Ballet Imperial Ruso.

En su cumpleaños número 80, en la gala que se le ofreció en el Kremlin de Moscú, deleitó a los 6,000 asistentes con la clásica "Ave Maya", en la que hizo gala de una elasticidad envidiable (La Gaceta de Tucumán). El Financial Times resumió la actual opinión sobre Maya en las siguientes palabras: “Ella era, y aún es, una estrella, un monstruo sagrado del ballet, la última exposición del glamour teatral, un faro de intensos destellos en un mundo de tenues talentos titilantes, una hermosura en el mundo de lo bonito.”

¿Cómo no admirar a esta gran bailarina? ¡Ave Maya!

Encontré estas palabras en una nota del escritor peruano Richar Primo sobre la actuación de Maya Plisetskaya a los 81 años en Cap Roig, que me parecen además de hermosas, muy ciertas:

“He creído pertinente destacar esta nota porque, cuando a los 81 años, el cansado cuerpo aún está sujeto al espíritu que lo llevó a vivir el arte en cada respiro, entonces estamos hablando de asuntos mayores que hay que, cuando menos, envidiar.”

Aquí les dejo unos videos de Maya Plisetskaya:

La Muerte del Cisne

Don Quijote

Swan Lake - Odile

Swan Lake - Odette

Ave María

Don Quijote

Carmen Suite

Ballroom Dance

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El Ballroom se conoce en todo el mundo como un conjunto de bailes de diferentes ritmos y estilos que están categorizados en dos secciones, los Bailes Standard (o Europeos) y los Bailes Latinoamericanos.Para mí es un deleite ver los campeonatos de Ballroom y las exhibiciones de campeones, me gustan todos los ritmos, me encanta ver las diferentes técnicas de las parejas y generalmente en una sesión de éstas siempre se goza con los vestuarios que suelen ser espectaculares.

Para bailar Ballroom a nivel social, los únicos requisitos son ganas de bailar, disfrutar de la música y nada más. No existe una edad para bailarlos, se pueden tener 15 años u 85. El baile social está pensado para bailar, pasarlo bien y disfrutar con su pareja o con amigos. El Ballroom desarrolla la auto confianza, la buena postura, la elegancia, el equilibrio y las habilidades sociales.

Para bailar a nivel competitivo cambian los requisitos ya que el propósito es participar en campeonatos, competencias y exhibiciones a nivel regional y mundial. Hay que tener disponibilidad de tiempo (alguien que de verdad quiera competir a nivel internacional, debe entrenar mínimo de 3 a 5 días por semana), una condición física impecable y el factor más importante: la edad. Se tiene que empezar a más tardar a los 16 o 17 años, más tarde ya es imposible llegar a un buen nivel. Todo esto considerando que en Europa, donde el baile Ballroom tiene una tradición más antigua, muchos chicos empiezan a los 13 o 14 años, incluso desde los 10 años.

Se cree que el Ballroom actual evolucionó alrededor de 1910 en Inglaterra. Después se agregaron más figuras y creció el interés tanto de los ejecutantes como de los espectadores.

Actualmente el Ballroom o Baile de Salón disfruta de un gran resurgimiento en popularidad, en parte por los programas de TV en los que personalidades muy conocidas forman pareja con bailarines profesionales. En los Estados Unidos los clubes de salud están agregando el baile de salón a sus programas de ejercicio. Parece que muchos hombres prefieren esta opción a la de inscribirse en un estudio especializado de baile. Los instructores dicen que el baile de salón provoca menos estrés en rodillas y tobillos que otros ejercicios aeróbicos como correr o las clases de step. Durante muchos años se ha luchado por que el Ballroom sea considerado deporte, de hecho actualmente en algunos entornos se le llama Sport Dance. Yo no estoy de acuerdo ni lo estaré nunca, el deporte es una cosa y la danza es otra, y siempre defenderé eso. ¿Quieren medallas? Hay competencias de danza. Cierto que los bailarines también son atletas, y de los más completos, pero son eso: bailarines. La Danza es un arte, el deporte no, sin menospreciarlo, pero no son lo mismo y nunca lo serán.

Aunque algunos de estos bailes tienen sus raíces en Latinoamérica, EEUU o España, fueron los ingleses quienes los adaptaron al estilo Ballroom. Ellos los catalogaron, coreografiando cada paso, cada movimiento.
Por esta razón, los bailes Ballroom, aunque usen la misma música, se distinguen notoriamente de los bailes “originales”. Es decir que, por ejemplo, una Samba de Ballroom no tiene nada que ver con una Samba bailada en Brasil. Lo mismo pasa con el Tango, el Paso Doble, etc. El Ballroom es simplemente un estilo específico de baile con sus propias reglas, leyes y técnica.

Estilos
Existen diversas categorías estandarizadas. Los dos estilos principales se conocen como estilo Internacional y estilo Americano. El estilo Americano es ejecutado principalmente en los Estados Unidos y no está tan estandarizado como el estilo Internacional.

Cada estilo tiene dos categorías. En el estilo Internacional se llaman STANDARD y LATIN y en el estilo Americano las categorías son conocidas como SMOOTH (Suave) y RHYTHM (Ritmo).

El estilo Internacional comprende:

Categoría Standard – Vals Inglés, Tango, Vals Vienés, Foxtrot, Quickstep

Categoría Latin - Cha Cha Cha, Rumba, Samba, Paso Doble, Jive

El Estilo Americano comprende:

Categoría Smooth - Vals, Tango, Foxtrot, Vals Vienés

Categoría Rhythm - Cha Cha, Rumba, East Coast Swing, Bolero, Mambo

Los bailes Ballroom siempre son de pareja y se ejecutan en diferentes niveles. Mientras que el hombre guía y la mujer lo sigue, es el hombre quien es responsable de la coreografía y dirección del desplazamiento.

La Línea de Baile
La línea de Baile es una línea imaginaria que representa la fluidez de tráfico alrededor de la pista de baile. Durante el movimiento en los bailes como el vals y el tango, todos los bailarines se moverán en la misma dirección general en contra de las manecillas del reloj (counterclockwise), con el objeto de minimizar colisiones.

Spot vs. Progresivo
Cada estilo de baile puede ser categorizado como Baile Spot (en un área determinada) o Baile Progresivo (con desplazamiento). Los bailes Spot se caracterizan por movimientos que hacen que los bailarines permanezcan en una área general de la pista durante todo el baile, mientras que los bailes progresivos contienen movimientos que hacen que los bailarines se desplazen continuamente por la línea de baile. La Línea de Baile sólo aplica a esta última categoría.

BAILES SPOT (sin línea de baile)Cha cha chá, Rumba, Bolero, Mambo/Salsa, Merengue, Swing/Jive

BAILES PROGRESIVOS (por la línea de baile): Vals, Foxtrot, Tango, Vals Vienés, Quickstep, Paso Doble*, Samba*

Todos los bailes Standard/Smooth están clasificados como bailes progresivos, mientras que la mayoría de los bailes Latin/Rhythm están clasificados como bailes spot. Las dos excepciones son la Samba y el Paso Doble, que tienen la distinción de ser los únicos bailes latinos que se mueven alrededor de la línea de baile.

Movimiento alrededor de la Línea de BaileLa línea de baile es más un rectángulo que un círculo (lo cual no es accidental, ya que la mayoría de los salones son rectangulares). Esto divide a la línea de baile en dos áreas distintas: Lados y Esquinas. Cuando se baila en el lado del salón, se viaja a lo largo de la línea de baile hacia la esquina. Cuando se llega a la esquina, se da vuelta en la misma y se empieza a viajar en la “nueva” línea de baile.

Aún en los bailes progresivos, no todos los movimientos viajarán exactamente a lo largo de la línea de baile. Algunos movimientos pueden viajar a través de la misma, zigzaguear adentro y afuera, o hasta moverse en contra de ésta por un corto periodo de tiempo. Pero el movimiento global debe continuar avanzando en la dirección de la línea de baile. La cantidad de espacio en el salón proporcionado a cada pareja depende de muchos factores, incluyendo el tamaño de la pista, el número de bailarines en la misma, el baile y el entorno (baile social, competencia, espectáculo, etc).

Como regla general, es mejor usar los lados del salón para desplazarse. Las esquinas dan más flexibilidad para girar y cambiar de dirección, ya que todo mundo hace lo mismo ahí. Las figuras estacionarias, líneas y poses se deben reservar para el centro del salón, en donde la fluidez de tráfico es menos pronunciada.

Alineaciones
La alineación se refiere a la dirección en que los pies están apuntando en relación con el salón. Los 3 principales puntos de referencia en el salón son la línea de baile, la pared, y el centro.

La Pared
La mayoría de los salones tienen cuatro paredes, pero “la Pared” a la que nos referimos cuando se habla de la línea de baile y las alineaciones, es la pared a la que más se acercan los bailarines cuando se desplazan por la Línea de Baile. Cuando se está de frente a la Línea de Baile, la pared estará a mano derecha.

El Centro
Hay dos centros en el salón: El Centro Verdadero, que es el punto central del salón, y el Centro Relativo, que es la alineación directamente opuesta a la Pared. Sin importar en dónde se esté parado en el salón, si se está de frente a la Línea de Baile, el Centro Relativo estará a mano izquierda. Las alineaciones, según escrito en los grados, siempre se refieren al Centro Relativo (al cual se hace referencia simplemente como “centro”).

Facing, Backing, Pointing
Además de indicar la dirección de los pies, las alineaciones también se pueden referir a la orientación del cuerpo o hasta a la dirección en que el cuerpo se está desplazando). Cuando los pies están apuntando hacia enfrente y la dirección de movimiento es hacia adelante (derecho o diagonalmente) o al lado, la alineación se refiere como “Facing” (Ej. “Frente a la Línea de Baile”).

Cuando los pies están apuntando hacia enfrente pero el cuerpo se está hacia atrás (derecho o diagonalmente), se hace referencia a la alineación como “Backing” (Ej. “Espalda al Centro”).

Cuando los pies se voltean a una alineación diferente a la del cuerpo, se hace referencia a “Pointing to” (Ej. “Apuntando hacia la Pared”).

Postura
Una buena postura es esencial para un baile cómodo y efectivo, que se logra por medio de la alineación apropiada de las diferentes partes del cuerpo en la posición correcta relativa de ambos bailarines. Las diversas partes del cuerpo, incluyendo cabeza, torso, pelvis, piernas y pies, están alineadas apropiadamente cuando se colocan directamente una encima de la otra de manera natural y erguida.

Cabeza
La cabeza debe sostenerse hacia arriba, con la barba paralela al piso. El cuello debe estirarse hacia arriba, pero con cuidado de no alargar algún lado del mismo afectando el lado opuesto. Todos los lados del cuello deben estirarse hacia arriba. Hay que poner atención particular en la parte de atrás del cuello, que con frecuencia se acorta cuando la barba se mantiene demasiado alta. También hay que tener cuidado de no sacar la cabeza adelante desde el cuello, y las vértebras del cuello deben continuar hacia arriba como una extensión de la columna.

TorsoEl pecho y las caderas siempre deben estar en buena alineación vertical. La caja torácica se debe sentir como si estuviera siendo despegada de las caderas, como si se quisiera alargar la columna. Cualquier levantamiento de pecho debe siempre ser llevado a cabo de tal modo que permita una respiración normal y cómoda. Nunca dejar que el pecho salga hacia delante o se encorve hacia atrás en relación con las caderas.

PelvisLa posición de las caderas debe permitir una curva natural de la columna. La pelvis, por lo tanto, se debe sostener en una posición media, ni muy hacia abajo ni muy hacia atrás.

Piernas
Cuando las piernas están derechas, las rodillas se posicionarán directamente entre las caderas y los pies. Cuando las rodillas se doblen hacia delante, la alineación de caderas y pies debe permanecer constante, de modo que el cuerpo pueda mantenerse erguido. Siempre trate de sentir que alarga el torso mientras dobla las rodillas, de modo que su postura no se “desinfle”. Nunca deje que su pelvis salga hacia atrás, ni siquiera ligeramente, mientras dobla las rodillas.

Pies
Es muy importante para un buen bailarín estar consciente de la colocación del peso del cuerpo sobre los pies. En una posición de pie normal, el peso del cuerpo debe permanecer ligeramente hacia delante de la mitad de los pies, entre el talón y la bola del pie. En movimiento, esta posición es variable, basada en la mecánica del movimiento específico, que variará desde la parte posterior del talón hasta el frente del dedo gordo del pie, pero esta distribución de peso no debe afectar la alineación de los bloques superiores de peso, de las caderas a la cabeza.

Ahora a disfrutar del Ballroom en estos videos:
He puesto un poco de todo. Espero que después de ver esto, se vuelvan amantes del Ballroom, yo lo soy. El primer video es de mis favoritos. El último video es una sorpresa muy agradable a la vista y al oído, no se lo pierdan.

International Ballroom ChaCha -

Brian Watson & Carmen Vincelj

Deutsche Meisterschaft Standard - Wiener Walzer

MAC 2007 Adult Championship Standard Final Foxtrot

Jonathan Wilkins and Katusha Demidova - Viennese Waltz
WM 2002 - Finale - Tango
Kyiv Open Standard Ballroom Dancesport Championship 2006
Stars Cup Krakow Standard Ballroom Dance Championship 2006
Gioia Cerasoli Domenico Soale Quickstep
OTK Schwarz Weiss Berlin A - Michael Jackson (Bamberg 2010, GC)

IDSF European Latin Ballroom Dancesport Championship 2003

Quickstep (Eugene & Solomeah, 2007-06-09)

Riccardo Cocchi & Yulia Zagoruychenko - Rumba (WSSDF2011)

Mirko & Alessia - WSS 2007 - Viennese Waltz




Standard in Formation - German Championships

Zuvedra Lithuania - 1st. Place James Bond / World Latin Formation Champions 2008

SP031 Standard Formation 1 (2011)

European Formation Latin 2012 First Place: Lituania "Zuvedra"

SP033 Standard Formation 2 (2011)

2012 European Latin Formation Final - Vera Tyumen, RUS