El Mundo de la Danza

Las Sílfides (Chopiniana)

2011-07-09T20:31:00.058-05:00

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Es un ballet blanco de un acto, sin argumento. La coreografía original fue hecha por Mikhail Fokine, con música de Federico Chopin orquestada por Alexander Glazunov y escenografía de Alexandre Benois.

Anna Pavlova - 1909

Fue estrenado en 1908 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo como Rêverie Romantique: Ballet sur la musique de Chopin o Chopiniana. Como Les Sylphides, el ballet fue presentado por primera vez el 2 de junio de 1909 en el Théâre du Châtelet de París.

Les Sylphides fue originalmente presentado por los Ballets Rusos de Serguei Diaghiliev para su primera presentación en París, con los bailarines principales Vatslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Anna Pavlova y Alexandra Baldina con decorados de Alexandre Benois. Otra orquestación popular fue realizada por Roy Douglas en 1936. En 1940 el American Ballet Theatre realizó la producción y la estrenó el 11 de enero de ese año en el Center Theatre en el Rockefeller Center. Es uno de los ballets frecuentemente presentado en todo el mundo.

Foto: Bob Shomler (2008)

Debido a su nombre este ballet es a menudo confundido con "La Sílfide", otro ballet de FilippoTaglioni que también involucra a la legendaria sílfide o espíritu del bosque. Sin embargo, en sus otras características los dos ballets no tienen relación entre sí, son muy diferentes.

El ballet, a menudo descrito como una "ensoñación romántica", está compuesto por una serie de danzas ejecutadas por muchas sílfides vestidas de blanco en la romántica atmósfera de un bosque a la luz de la luna con el poeta o el joven. Fokine creó una coreografía de estilo romántico seguramente inspirado en "La Sílfide". Utilizando una técnica académica evolucionada en aquella época, Fokine creó un ballet abstracto con la estructura del ballet romántico.

Russian National Ballet

En lo personal considero que este ballet es un sobrio ejemplo de la esencia de la danza clásica. Me parece elegante y suave, tocando puntos fundamentales del ballet como son los movimientos impecables de brazos y manos, la suavidad en los saltos y los movimientos gentiles y precisos de las piernas, sin perder la excelencia técnica y los estrictos movimientos requeridos por dicha disciplina. Aunado a lo anterior, la expresión facial de las bailarinas en esta obra siempre me hace pensar que es la mejor imagen del rostro de una bailarina de ballet.

La armoniosa continuidad de la música va de la mano con todas las secuencias de movimientos ejecutadas por los bailarines, adornadas con expresiones de timidez, coqueteo y emoción. En este ballet nada es precipitado, todo se ejecuta con suavidad y no hay llamativas muestras de virtuosismo o espectacularidad como sucede en otros ballets famosos, pero precisamente eso es lo que lo hace diferente, etéreo, delicado, lo que lo convierte en un digno representante del ballet clásico. Es una de las obras que me provocan los mayores sentimientos de amor hacia la danza.

Esta obra constituye una representación fiel del ballet romántico, es una de las creaciones más significativas de Fokine y uno de los más importantes ballets de las buenas compañías de danza clásica.

"Las Sílfides" ha permanecido en el repertorio de casi todas las compañías de ballet tradicional como un ejemplar distintivo del denominado neoromanticismo de la danza clásica. El término es justo porque esta pieza recrea los ballets del periodo romántico en el que abundaban las criaturas sobrenaturales como las willis, las mencionadas sílfides, las ondinas, las náyades y otros tantos delicados, virginales y virtuales personajes femeninos.

Mikhail Fokine, el coreógrafo ruso que forjaría entre otros el futuro de la danza clásica en los Ballets Rusos de Diaghilev, creó "Las Sílfides" siguiendo el estilo y las pautas con las que Filipo Taglioni y Bournonville hicieron bailar y volar a las sílfides.

Svetlana Lunkina

Bajo el título de "Chopiniana", el ballet tenía una estructura musical ligeramente diferente. Esta versión incluía sólo cinco obras de Chopin:

1. Polonesa en La mayor, Op. 40, nº 1,
2. Nocturno en Fa mayor, Op. 15, nº 1,
3. Mazurka en Do sostenido menor, Op. 50, nº 3,
4. Vals en Do sostenido menor, Op. 64, nº 2,
5. Tarantella en La bemol mayor, Op. 43.

En la versión final a la que se le cambió el título por "Las Sílfides", Fokine añadió más piezas de Chopin:

1. Polonesa en La mayor

(Algunas compañías lo sustituyen por el Preludio en La Mayor) - El telón se levanta y todas las bailarinas están en el escenario, en posición estática

2. Nocturno en La bemol mayor (Op. 32, nº 2)

Ensamble bailado por todo el elenco

3. Vals en Sol bemol mayor (Op. 70, nº 1)

Variación ejecutada por una solista

4. Mazurka en Re mayor (Op. 33, nº 2)

Solo ejecutado por la prima ballerina

5. Mazurka en Do mayor (Op. 67, nº 3)

Solo ejecutado por el único bailarín del elenco

6. Preludio en La mayor (Op. 28, nº 7)

Solo ejecutado por una solista diferente

7. Vals en Do sostenido menor (Op. 64, nº 2)

Pas de deux ejecutado por la prima ballerina y el poeta

8. Gran Vals en Mi bemol mayor (Op. 18, nº 1)

Ensamble final ejecutado por todo el elenco

En occidente, el ballet pasó de una compañía a otra y el propio Fokine lo revisó en varias ocasiones, dándose por buena la última versión, que data de 1941.

Aquí tienen el video de la obra completa dividido en 4 partes, considero este video de los mejores si no es que el mejor que he visto sobre este ballet. Es con el Ballet Mariinsky (Kirov), ejemplo de perfección en ballet y es un deleite verlo, que lo disfruten.

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4/4

A continuación pongo algunos datos sobre las sílfides, no hay un orden específico, sólo son notas que encontré al investigar lo que era una sílfide y me parecieron interesantes, obviamente hay mucha más información al respecto pero mi blog es de baile y es en lo que me enfoco.

Les Sylphides 2009 - Ballets Russes

Las silfides son genios o espíritus que vagan por los aires. Para los cabalistas son espíritus elementales compuestos de los más puros átomos del aire. Su nombre viene del latín sulfi, sylfi, sylflorum, “genio”, entre los galos. Los silfos, según los libros cabalísticos del siglo XVI, forman tres legiones mandadas por tres capitanes: Domalech, Taynor y Sayanon, los cuales, a su vez, obedecen al príncipe Ariel, espíritu de la Tierra, vasallo del rey de las hadas.

Silfos y Sílfides, seres mitológicos del elemento aire. Los autores de fantasía emplean en ocasiones a las sílfides en sus obras. La creencia en los silfos tiene su principal desarrollo en Irlanda y en Inglaterra Central.

Las sílfides habitan en las alturas, ya sea en las montañas o en las copas de altos árboles. Rara vez se las ve en tierra firme. Construyen sus nidos individuales en las laderas de las montañas, o tallados en los árboles.

Contra Costa Ballet

Según los antiguos germanos las silfides poblaban la naturaleza entera y vivían en las casas y pueblos de los humanos. La fantasía popular las revestía de muy variadas formas; unas veces eran hermosas y gráciles; otras pequeñas y feas. En general ayudaban al hombre honrado en muchos de sus quehaceres, pero se enojaban fácilmente y entonces se vengaban haciendo trastadas. En la poesía inglesa silfides y silfos fueron apareciendo gradualmente como entes benéficos, hasta el punto que se les instituyó un culto especial.

Julie Kent

Pueden tener descendencia con humanos o elfos. Una vez que la sílfide deposita un único huevo perlino, invoca a un elemental del aire para que proteja y dé calor al huevo hasta el momento de su eclosión. Las pequeñas sílfides tienen el aspecto de una niña humana, pero con dos pequeñas alitas.

Una sílfide tiene la capacidad de levitar innatamente. Su ágil vuelo es comparable al de pocos seres. Puede volar y moverse libremente, las alas sólo le sirven para coger impulso. Tienen otras muchas habilidades mágicas, como la de hacerse visibles o invisibles a voluntad, y la de invocar elementales del aire. Son los encargados de mantener el cuidado y la limpieza del aire.

Son seres muy buenos, pero se ofenden fácilmente, el modo de manifestar su enojo es provocando grandes torbellinos o huracanes. Se caracterizan por ser muy cambiantes. Las sílfides son semi-humanas voladoras de gran belleza. Están emparentadas con las dríadas y las ninfas.

Ekaterina Shipulina

Físicamente, una sílfide tiene la apariencia de un elfo o un humano, es muy bella y de rasgos delicados. Tiene alas de libélula y son transparentes o con manchas iridiscentes. Sus cabellos son largos y del color típico de una humana, aunque también pueden ser azules, verdes o violetas. Son seres neutrales, de carácter amigable. Mantienen el aspecto juvenil durante toda su vida. Hablan en un lenguaje musical, propio de los seres mágicos con los que están emparentadas. De todos los seres elementales, son las más próximas a los ángeles y suelen trabajar conjuntamente con éstos. Probablemente las sílfides están más cercanas a nuestro concepto de hadas y ángeles que cualquier otro ser elemental.

Los Silfos y las Sílfides pertenecen a la misma familia, los Silfos son masculinos y las Sílfides femeninas. Son los encargados de mantener el cuidado y la limpieza del aire. Gobiernan los remolinos, huracanes y otros movimientos del aire dando equilibrio al planeta.

Prefieren vivir solos, sus facciones son infantiles y de orejas terminadas en punta.

Viven en casas abandonadas en el campo y les gustan las cosas caras que roban de otros lugares.

David Makhateli-Tamara Rojo

Los silfos y las sílfides son los encargados por excelencia de formar las nubes y las lluvias.

Las sílfides son todas muy bellas y se manifiestan de distintas maneras, como mariposas o pequeñas lucecitas en la oscuridad.

Otra función de las sílfides es la de obrar de musas inspiradoras de los artistas ayudando a los que trabajan con la imaginación, sintiéndose muy satisfechas cuando lo consiguen.Las sílfides son parte de la fuerza creativa del aire, y es su trabajo el que ocasiona la más leve brisa o el más poderoso tornado.

No todas las silfides restringen su trabajo y vida al aire. Muchas de ellas poseen una inteligencia elevada. Existen sílfides que trabajan en la creación del aire y de la atmosfera y de las corrientes apropiadas en toda la Tierra. Cuando respiramos profundamente y sentimos una dulce frescura en el aire, estamos reconociendo su trabajo. Algunas realizan funciones especiales relacionadas con la actividad humana. Pueden trabajar para aliviar el dolor y el sufrimiento, o estimular la inspiración y la creatividad. Una de sus tareas más específicas es ayudar a los niños que se acaban de perder. También pueden actuar como ángeles de la guarda temporales.

Silfos y Sílfides

Estos seres pertenecen a la familia de las hadas y ambos son elementales de aire. Los silfos son los hermanos de las hadas, de hecho, algunos piensan que son la versión masculina de las hadas. y acostumbran vivir en lugares alejados y abandonados.

Ballet Mikkeli

Se piensa que los silfos son los sabios y puros de todos los elementales, incluyendo a las hadas. Su memoria comprende los sucesos a partir del momento de la creación; de ahí se entiende que los silfos vivan muchos años (algunas fuentes citan más de 10,000 milenios) y, a diferencia de los elfos no hablan ninguna lengua y sólo se valen de su pensamiento; también, son incapaces de tener algún tipo de sentimiento, no hay miedo, alegría, ni tristeza en su corazón.

Los silfos, al ser elementales de aire, se pueden clasificar en cuatro tipos basados en los cuatro vientos, los silfos de los vientos del norte, al venir de zonas cálidas son también cálidos; los silfos del sur son fríos y provienen de la Antártida; los silfos de este y los del oeste, provenientes a su vez, de los vientos del este y el oeste.

Por su parte "sílfide" del latin sylphs que posiblemente sea una mezcla del vocablo silvestris, es decir del bosque y nympha, ninfa , es decir, las ninfas silvestres. Sin embargo, otras versiones aseguran que sylph proviene del celta que significa del genio. Las sílfides son en todo caso espíritus femeninos relacionados con las hadas que pueden ser representados como mujeres jóvenes, delgadas y llenas de gracia.

Agnes Oaks - Thomas Edur

La primera referencia de las sílfides la encontramos con Paracelso, quien las describió como espíritus invisibles del aire cuyo elemento es precisamente el aire y no existe realmente mitología relacionada con las sílfides. Las criaturas del aire parecen niños pequeños muy hermosos con rostros sonrosados como la aurora.

Se nos ha dicho con gran énfasis que el reino de los silfos se halla ubicado en el Oriente. Las sílfides viven en las nubes. Los cuerpos físicos de las sílfides son los elementales de las plantas con los signos de aire. Estos elementales se llaman “Silfos”, y son los elementales del aire. Los Silfos dicen: “Donde quiera que hay verdadero mérito escondido, allí deben resplandecer los rayos del sol”. Ellos imprimen en el estudiante la importancia de adquirir la conciencia del conocimiento, es decir, “La Intuición”.

Zapatos de Baile/Dance Shoes

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Ballroom

Jazz

Ballet

Character

Tap & Clogging

Lyrical

La Jarana Yucateca

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La jarana yucateca es un baile y una forma musical originarios de la Península de Yucatán, México. “Jarana” según el diccionario quiere decir jolgorio, bullicio, diversión ruidosa de la gente del pueblo. En la época de la Colonia durante los siglos XVII y XVIII, en la Península de Yucatán los españoles y los criollos solían decir despectivamente cuando empezaban las fiestas populares: “ya empezó la jarana”. El pueblo indígena entendió esto como si se refirieran a la música que se tocaba durante las festividades y atribuyó el nombre como genérico a los sones que se interpretaban. Fue así que el baile regional de Yucatán adoptó el nombre de Jarana.

Auténtica muestra del mestizaje artístico la jarana atrae y conquista, ya sea por la cadencia y elegancia de los pasos, por la alegría de la música, o por la actitud solemne de los bailadores cuando zapatean.

Nuestro Yucatán es muy rico en tradiciones, su cultura es una de las más transcendentes y con muchos legados, entre ellos su música y sus danzas.

La jarana alcanza su clímax durante las vaquerías, que son fiestas asociadas con el proceso de marcar el ganado y que ahora están relacionadas también a motivos religiosos de las diferentes poblaciones del estado, que se realizan tradicionalmente mediante un verdadero ritual protocolario, en donde el bastonero a su arbitrio se encarga de designar a los compañeros de las jóvenes para el baile. Las vaquerías toman su nombre y tienen su origen en la fiestas que se hacían antiguamente para herrar el ganado vacuno en las haciendas; en la actualidad, sólo quedan algunos vestigios, como el hecho de que se finaliza la fiesta con la ejecución de El Toro Grande. En la actualidad la jarana se ha convertido en el baile emblemático de la región y su perfeccionamiento y representación se ha vuelto tema académico y es utilizado para mostrar a los visitantes en general las habilidades de los habitantes y los vestidos típicos del país. La ciudad de Mérida, capital del estado mexicano de Yucatán, cuenta con un gran número de grupos especializados en el baile de la Jarana, que hacen de su arte tema de muestra y orgullo ante la población y los visitantes.

Podría decirse que tanto la música como los bailables tienen una cierta influencia de la Jota Aragonesa, y en efecto hay ciertos aires, ritmos y modos que la rememoran, pero es absoluta su originalidad y desde luego, como cualquier otro producto cultural del mestizaje, ancla su raigambre en las dos fuentes que la nutren: lo maya y lo español.

El baile se hace normalmente por parejas. Los pasos se dan por zapateado y predomina en el baile de la jarana el hieratismo de las danzas aborígenes que influye en la verticalidad de las posturas de sus intérpretes, que en las partes valseadas realizan giros con los brazos en alto en ángulo recto – al estilo de los bailadores de jota – y tronando los dedos, reminiscencia de las castañuelas españolas. Con esta sola excepción, el baile de la jarana se limita a las extremidades inferiores, manteniendo el tronco del abdomen hacia arriba de manera erguida particularidad que la distingue de la jota y del zapateado español. El tronco del bailador permanece erguido, y esa posición erguida permite a los bailadores en algunas piezas sostener objetos en la cabeza sin que se caigan, lo que se convierte en una de las galas o suertes características del baile. Los más dotados sostienen una botella llena de líquido o incluso una charola con varios vasos o botellas llenos, sin derramar el contenido.

El zapateado de la jarana no tiene pasos fijos ni diferenciación entre los del hombre y de la mujer. En ciertas comunidades predominan determinados pasos localmente tradicionales, sin que ello excluya otros diferentes, propios de la fantasía de los bailarines, ya que cada quien puede realizar sus creaciones personales, entremezclando varios pasos ya conocidos.

Dos golpes de timbal marcan el inicio del baile, inmediatamente el bastonero forma las parejas a su arbitrio procurando que ninguna se quede sin participar y las forma en dos largas filas, frente a frente, una de hombres y otra de mujeres. Cada pareja conserva su autonomía en el baile y su propio ámbito de dos metros aproximadamente, en el cual se entrecruza y realiza todas las figuras que su habilidad le permite.

Existen dos formas métricas de este tipo de baile: la jarana 6 por 8 (compás músical de 6/8), zapateada, nieta de los aires andaluces e hija de los sones mestizos, es de movimiento vivo marcado a dos tiempos, cuyo acento rítmico cae en el segundo tercio del tiempo ligero del compás, en una nota que puede ser prolongada hasta el tercer tercio o sincopada hasta el primer tercio del compás siguiente.

Una de las características musicales de la jarana 6 por 8 (compás musical de 6/8) es la de reforzar el segundo tercio del tiempo pesado de los compases impares, mediante una apoyatura superior de segunda, mayor o menor. En la actualidad se ha perdido esta particularidad en su escritura, más no así en su ejecución, ya que los músicos intuitivamente la hacen siempre, a manera de adorno.

La jarana 3 por 4, (compás músical de 3/4) nacida posteriormente, es valseada y tiene el aire de la jota aragonesa de la que deriva, por ellos su movimiento metronómico es igual a 84 blanca un puntillo, inicialmente la jarana 3 por 4 (compás músical de 3/4) era exclusivamente para ser bailada, posteriormente se le han agregado textos rimados, ya sea adaptándolos a una música preexistente o bien musicalizando determinados versos festivos, generalmente cortos y del género picaresco. Un ejemplo es “La fiesta del pueblo” de Manuel Burgos Vallina.

En el siglo XX se introdujo la costumbre de escribir jaranas que contienen ambos ritmos, la primera en 3 por 4 (compás musical de 3/4) y la segunda en 6 por 8 (compás musical de 6/8) como “Mi lindo Motul” de Armando González Domínguez y “La Morena de mi Pueblo” de Manuel Gil Lavadores.

Derivada de antiguos sones regionales, la música es también una mezcla peculiar de canciones y ritmos europeos con expresiones milenarias del alma musical del pueblo maya. La música, estrepitosa y sonora, es ejecutada por una “charanga jaranera”, conjunto que acompaña a los bailarines y que consta de algunos elementos esenciales: dos trompetas, dos clarinetes, un trombón, tres saxofones (dos altos y un tenor), un contrabajo, bombo, un güiro y dos timbales. El conjunto puede crecer más hasta formar pequeñas orquestas como la Orquesta Típica Yucalpetén, que acompaña en una fiesta ya tradicional todos los jueves por la noche en la Plaza de Santa Lucía en la Ciudad de Mérida a los conjuntos jaraneros más renombrados de la región que ahí hacen sus presentaciones para deleite de propios y extraños. La música yucateca es muy alegre y bonita, y también son románticos, por ello es que hay tantos compositores yucatecos mundialmente conocidos.

En un momento determinado en el curso del baile, se detienen la música y el baile y se suelta la "bomba", que hace reír a los participantes y al público en general. La bomba yucateca comúnmente es una cuarteta o una redondina octosílaba que se dice como piropo a la mujer con quien se baila o hace alusión al momento que se disfruta. Puede ser romántica o jocosa, pero nunca grosera.

Una voz grita: "¡Bomba!" y la música se interrumpe, entonces el mestizo se adelanta y dice la cuarteta; la gente responde: "Bravo" y continua la música, el baile, el fandango y la jarana.

Ejemplos de “bombas”:

En esa boquita en flor
que te ha regalado Dios,
no hay ningún labio inferior,
son superiores los dos.

Mestiza bella y galana

de Yucatán linda flor,

tu hermosura meridiana hace que cada mañana viva soñando en tu amor.

Una suerte de la jarana es ejecutar el baile sobre un almud, cajoncillo de madera que servía a los árabes como medida para comprar y vender granos y que se utilizó en Yucatán para la medición del maíz desgranado. Por las pequeñas dimensiones del almud, se requiere de una habilidad especial para que el baile luzca.

Vestimenta

El vestido típico de las mujeres de Yucatán recibe el nombre de “terno”. Como su nombre lo indica, consta de tres piezas: jubón, hipil y fustán. El jubón es una solapa cuadrada de veinte o más centímetros de ancho bellamente decorada con motivos bordados, su encanto radica en el escote cuadrado que deja libre parte del pecho y la espalda, con delicada audacia. Ésta va en el cuello del hipil, que es el vestido cuadrado que cubre el cuerpo de la mujer hasta media pierna, cuya parte inferior está decorada de igual forma que el jubón. El fustán es un medio fondo rizado que se ajusta a la cintura con una pretina de la misma tela debajo del hipil, llega a cuatro dedos arriba de los tobillos y está decorado con encaje y bordados. Cada una de estas prendas lleva un “ruedo” bordado en punto de cruz o a máquina. Los ruedos se complementan con anchos encajes blancos que penden del hipil y del fustán. El jubón lleva un encaje delgado en la orilla.

Existe una gran variedad de ternos bordados en hilos de seda o de algodón con diversos motivos florales (rosas, claveles, campánulas, tulipanes), realizados sobre telas de charmés, raso o dacrón. El bordado se puede hacer de diferentes tipos; el más bello y también el más complicado es el xokbichuy o punto de cruz, el cual se hace a mano. Los bordados se combinan, en ocasiones, con la técnica de “manicté” (del maya xmanikté), que es un calado o deshilado a mano para formar figuras o flores mediante amarres. Algunas prendas tienen únicamente adornos de este tipo, lo cual muestra la laboriosidad y el gusto de la mujer por la confección del vestido. En los pueblos aún se puede observar la veterana, clásica estampa de una mestiza sentada en un banquillo en el patio o a la puerta de la casa de paja bordando pedazos de raso, chermés, dacrón o seda que más tarde engalanarán algún terno.

El elegante terno de mestiza de buena casta, se complementa con un fino rebozo de santa María y con el rosario de filigrana, que el orfebre yucateco realiza, tejiendo el oro con la magia de sus manos, convirtiéndolo en largas cadenas de tres y cuatro vueltas para adornar el cuello de la mestiza elegante, y a cuyo final pende la venerada cruz del Salvador.

En el capítulo XXXI del libro “Relación de las cosas de Yucatán”, Fray Diego de Landa, al hablar de los vestidos y adornos de las indias de Yucatán nos da la siguiente descripción, que puede tomarse como un antecedente del terno actual:

“Las indias de la costa y de las provincias de Bacalar y Campeche son muy honestas en su traje, porque allende de la cobertura que traían de la mitad para bajo (fustán) se cubrían los pechos… con una manta cuadrada (jubón); todas las demás no traían de vestidura más que un como saco largo y ancho, abierto por ambas partes y metidas en él hasta los cuadriles”(hipil).

Más adelante el padre Landa habla de “una manta que, cuando iban en camino usaban llevar cubierta, doblada o enrollada” manta que al correr de los años daría origen al rebozo de múltiples usos, variados colores y diversas facturas. La mujer yucateca usa el reboso pringado de Santa María.

El atavío de las “mestizas” se complementa con unas zapatillas cerradas de tacón recto y trabita, que indispensablemente son blancas como la tela del terno. Estas zapatillas pueden ser de piel, charol o forradas de tela, como las describe el poeta Carlos Duarte Moreno en su canción Aires del Mayab: “Muchacha bonita, zapatos de raso bordado de seda te voy a comprar”.

Las mujeres del Mayab peinan su negra cabellera tirándola para atrás, sin raya en medio, y la enrollan sobre sí misma hasta formar un “t’uch”, moño o chongo de pelo que las mujeres se atan en la cabeza, arrollado acomodado en forma de ocho sobre la nuca; es el peinado especial que usan las indígenas y las “mestizas”, llamado también “zorongo”, fijado con una peineta. Sobre el t’uch prenden un hermoso lazo de cinta francesa o de “agua”, realizado con un listón de dos metros de largo por diez centímetros de ancho. Se colocan flores del lado derecho para las mujeres casadas y del izquierdo para las solteras.

Ninguna mestiza se sentirá satisfecha de su atuendo si no lleva al cuello las joyas tradicionales: un rosario de filigrana de oro; otro de corales y una gruesa cadena salomónica de dos vueltas, de la que penden varias monedas y una medalla grande con efigie religiosa. Aretes de filigrana y coral, semanarios y pulso de petatillo de oro complementan su ajuar. Don Santiago Pacheco Cruz, en su libro “Antropología Yucateca” nos da la siguiente información: “Las bailadoras se presentaban trajeadas como sigue: Elegante terno de tela fina blanca, con amplios bordados caprichosamente adornados tanto en la parte inferior como la superior, terminando con anchos encajes en los bordes.

El fustán o falda que se colocaban debajo del terno o hipil también llevaba adorno en el borde, usaban zapatillas blancas adornadas al igual que las medias o sin ellas. Orlaban sus gargantas gruesas cadenas de oro puro, terminando con una hermosa medalla ovalada conteniendo la bella efigie de la Virgen de Guadalupe; otras bailadoras llevaban además elegantes rosarios de filigrana.
Se llenaban los dedos, menos el pulgar, con sendos anillos. El elegante peinado terminaba con hermoso moño, t’uch, atado en una ancha cinta de color violeta, rosa, verde, amarilla o roja; pero lo más atractivo que portaban era el sombrero elegante de jipi que colocaban al revés con la parte trasera por delante y en la que ostentaban un espejito cuadrado o redondo , se desprendían de él dos anchas y muy largas cintas que le colgaban hasta la cintura; se colocaban además otra cinta poco más ancha cruzándose el cuerpo en forma diagonal que, pasando por el hombro derecho, terminaba con una roseta hecha de la misma cinta, con las puntas colgando.”

El terno lo usan las mestizas exclusivamente en las fiestas de la vaquería y con algunas variantes, en las bodas mestizas. En estas ceremonias religiosas la única persona ataviada con el terno es precisamente la novia pero el vestuario difiere de los de la vaquería en el colorido de los ruedos, ya que el que les sirve en las ceremonias nupciales lleva solamente bordados blancos y se complementa con un largo velo de tul que toca el suelo. La cadena salomónica de dos vueltas les sirve como lazo nupcial.

En las otras festividades (cumpleaños, gremios, procesiones, etc.) la mestiza usa invariablemente el hermoso hipil bordado a máquina o en punto de cruz de vivo colores y fustán de popelina rematado con ancho encaje blanco de algodón, calza “capelladas”- sandalias parecidas a las alpargatas masculinas- y se cubre con su inseparable rebozo pringado. Cuando guarda luto por la muerte de algún familiar próximo usa el rebozo y bordados negros.

El atuendo de diario es parecido al anterior pero mucho más modesto, el hipil no lleva bordados, sino una tira estampada y el fustán carece del mencionado encaje de algodón. Generalmente andan descalzas.

El traje del mestizo es igualmente elegante y a tono con el clima cálido de Yucatán. Consta de pantalón blanco de corte recto con valenciana, bolsas verticales a los lados y horizontales en la parte trasera; filipina blanca de manga larga y cuello alto y redondo, sin solapa, que usan sobre una camiseta igualmente blanca de algodón, de media manga; los pudientes cierran esta prenda con fina abotonadura de oro.

Por tradición, los hombres también deben vestir de mestizos, con pantalón de dril y guayabera de seda o lino, ambos de color blanco. Dependiendo de la ocasión y el clima el hombre utiliza la guayabera en distintos colores, generalmente claros, la cual se utiliza dependiendo de la ocasión y el clima. La filipina es una variante de la guayabera utilizada desde finales del siglo XIX y a la que se considera la prenda típica del mestizo. Llevan sombrero blanco de jipi o palmilla (ajustado con una angosta cinta negra), de dos pedradas al frente, elaborado en Ticul o Halachó. Calzan alpargatas blancas “chillonas” de cuero de vaqueta, de tacón alto y grueso. Complementan su atavío con pañuelo rojo y grande, el “paliacate”, que llevan colgado de la bolsa lateral derecha o alrededor del cuello cuando tienen la chamarra abierta.El traje del diario consta de pantalón recto de mezclilla y camisa cerrada por dos botones de hueso, de manta rayada o cotín. Sombrero de palma, con costura de araña azul o verde. Sin faltarles el inseparable paliacate.A lo largo del año, hay oportunidad de ver excelentes muestras de la danza en diversos espectáculos públicos; sin embargo es también muy recomendable acudir a una vaquería tradicional, donde la muestra es tal vez menos espectacular, pero más auténtica.

El traje de trabajo o de faena consta de calzón largo de manta, ceñido a la cintura por un delantal del cotín, camiseta de hilo de manga larga, sombrero de palma y alpargatas de plantillas de cuero, sin tacones, sujetadas a los pies con un hilo de henequén corchado que se enrollan hasta los tobillos. Llevan invariablemente un “sabukán” de henequén donde portan sus instrumentos de labranza y sus alimentos y un calabazo o “chuh” donde llevan agua o agua miel para prepara su “pozol”.

La jarana yucateca es una excelente muestra de la

danza mestiza, el arte manual

y la colorida tradición del folklore mexicano.

Aquí unos videos para disfrutar:

Danza en Escultura

2010-09-22T22:45:00.010-05:00

Una imagen vale más que mil palabras...
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Michael Jackson

2010-02-14T01:11:00.016-06:00

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No se tocan asuntos de su vida privada por que no me interesan. A mí Michael Jackson me interesa como bailarín (principalmente), cantante y compositor. Uno de los mejores "entertainers" de todos los tiempos.

Este es un homenaje a uno de los mejores bailarines del espectáculo. Como cantante y compositor fue genial, pero como bailarín fue excelente, con un estilo propio difícil de imitar - cosa que no todos los bailarines logran - sin importar el género de danza.

Michael Joseph Jackson nació el 29 de Agosto de 1958 en la ciudad de Gary, Indiana. Fue el séptimo de nueve hijos de Joseph Walter y Katherine Esther. Sus hermanos fueron Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Randy, y sus hermanas Rebbie, Janet y La-Toya.
Su padre era empleado de una fábrica de acero y participaba en una banda R&B con su hermano Luther. La madre, una devota Testigo de Jehová, lo crió también como Testigo de Jehová. Michael comenzó su carrera musical a la temprana edad de 5 años.

Él y su hermano Marlon se unieron a los Jackson Brothers como músicos de respaldo de Jackie, Jermaine, Tito y Randy. A la edad de 8 años, Michael y Jermaine comenzaron como vocalistas, y el grupo cambió su nombre a los Jackson 5.

Los Jackson 5 grabaron varias canciones y finalmente firmaron con Motown Records en 1968. Michael emergió rápidamente como la principal atracción y cantante principal del grupo. El grupo obtuvo varios éxitos en los primeros 40, incluuendo "Dancing Machine" (top 5) y "I Am Love" (top 20). Sin embargo los Jackson 5 dejaron Motown en 1975. Con un contrato de solista con Epic Records, Michael comenzó la búsqueda de nuevas aventuras por su

cuenta. En 1977, tuvo una actuación estelar en la versión fílmica de "El Mago de Oz", con el éxito musical "The Wiz." En 1979, Michael sacó al mercado su excepcionalmente exitoso álbum "Off the Wall." El popular álbum incluyó los éxitos sencillos "Rock With You" y "Don't Stop 'Til You Get Enough." Se vendieron 10 millones de copias.

El siguiente álbum de Jackson - Thriller, en 1982 - fue también un gran éxito, lanzando 7 sencillos a los primeros 10 en las tablas. Los videos que acompañaban estas canciones ayudaron a establecer la supremacía de Michael en MTV, y su reputación como increíble bailarín.
En 1984, en el último concierto de Jackson's Victory Tour, Michael anunció que se separaba del grupo y continuaría como solista. En 1987, sacó su tercer álbum de solista, "Bad." Michael escribió una autobiografía en 1988, revelando detalles de su infancia y su carrera. Fue nombrado "Artista de la Década" por el éxito de sus álbumes anteriores. En 1991, Michael firmó con Sony Music y sacó a la venta su cuarto álbum, "Dangerous." También formó la "Heal the World Foundation" (Fundación Sanemos al Mundo) para ayudar en las vidas de niños desafortunados de todo el mundo.

En 1994, Michael se casó con Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley. El matrimonio fue de corta duración, la pareja se divorció en 1996. Después Michael se casó con su segunda esposa, Debbie Rowe, una enfermera que conoció durante el tratamiento que recibió para su desorden de pigmentación de piel. Su primer hijo, Prince Michael Joseph Jackson, Jr., nació en 1997. Su hija, Paris Michael Katherine Jackson, nació en 1998. La pareja se divorció en 1999. Su tercer hijo, Prince Michael Jackson II, nació en 2002. La identidad de la madre no fue revelada por Michael Jackson.

Mucha gente atribuye mucho del éxito máximo de Michael a su sorprendente habilidad para bailar. En 1983, Jackson actuó en vivo en un especial de TV de Motown por sus 25 años, presentando por primera vez su movimiento característico de baile: el moonwalk. Cuando hizo el moonwalk, se vio como si estuviera haciendo algo que los humanos no deberían ser capaces de hacer. El especial de Motown será siempre recordado como un momento mágico en la historia del entretenimiento musical, ya que el Moonwalk colocó a Michael aparte en el reino del super estrellato."Billie Jean" es una canción/baile pop con ritmo Rhythm & Blues. Fue compuesta por Jackson y producida por Quincy Jones para el álbum Thriller (1982). Fue un éxito comercial y crítico mundialmente.

Citada como una de las canciones más revolucionarias de la historia, fue certificada con platino en 1989.

Honrada en numerosas ocasiones—incluyendo dos Grammy Awards, un American Music Award y una inducción en el Music Video Producers Hall of Fame—la canción y su correspondiente video musical lanzaron a Thriller como el álbum mejor vendido de todos los tiempos.

La canción fue promovida con un corto que rompió la barrera racialhat de MTV como el primer video hecho por un artista negro. También fue nominada para el Emmy con la presentación de Motown 25: Yesterday, Today, Forever, en la que Jackson presentó el "Moonwalk."

Dicha canción también se promocionó en los comerciales de Pepsi que hizo Michael. Durante la filmación de un comercial, Jackson resultó con serias quemaduras en un accidente. Interpretada y ejemplificada por varios artistas modernos, "Billie Jean" selló la posición de Michael Jackson como ícono pop internacional. La revista Rolling Stone colocó a "Billie Jean" en el lugar 58 de su lista de las 500 Más Grandes Canciones de Todos los Tiempos y aparece en las 500 canciones del The Rock and Roll Hall of Fame que dieron forma al Rock and Roll.

Michael Jackson es uno de los grandes bailarines de todos los tiempos, tanto por su creatividad como por su ejecución.

Sus movimientos han fascinado a públicos de todo el globo, y han sido inspiración para una generación de bailarines.

¿Habrá en el futuro un artista como Michael Jackson? ¿Uno de sus hijos quizá?

El Moonwalk fue un factor que colocó a Michael claramente aparte en una liga de su propiedad en ese reino del super estrellato. Michael no inventó el movimiento, pero lo perfeccionó y lo hizo de su propiedad.

Pienso que la brillantez de Michael como bailarín no sólo se refleja en la ejecución del Moonwalk. Siempre me fascina la manera como se desliza sobre el piso, sin importar el ritmo que esté bailando, es algo muy suyo. Igualmente, el movimiento de sus brazos y hombros, es increíble. Pero sobre todo, su actitud al bailar es siempre excelente, interpretativa, nítida, sobria; y como cualquier excelente bailarín el espíritu que pone en todos sus bailes se refleja como una cuchilla que se clava en el nuestro. Y eso sólo lo logran los grandes bailarines.

La emocionante carrera de Michael terminó trágicamente antes del comienzo de una anticipada gira de regreso a los escenarios. El Rey del Pop y antiguo vocalista de los Jackson 5 murió el 25 de junio de 2009 debido a un paro cardiaco.

El Moonwalk - Datos y aprendiendo a ejecutarlo

Michael, un ser único, será recordado por mí y por muchísima gente en todo el mundo como uno de los grandes bailarines que dejaba todo en el escenario, sin importar lo que pasara en su mundo fuera del espectáculo.

Descansa en paz querido Michael, siempre te admiraré.

¡This Is It!

Compañías de Danza del Mundo

2010-01-17T22:00:00.004-06:00

Mexico
Ballet Folklorico de Mexico - Amalia Hernandez
Ballet Folklorico de Michoacan
Ballet Folklorico de Veracruz
Ballet Folklorico de la Benemerita Universidad Autonoma de Puebla
Ballet Folklorico de la UNAM
Ballet Folklorico de la Universidad de Colima
Ballet Folclorico de la Universidad de Guadalajara
Ballet Folklorico del Estado de Baja California - Ehecatl
Ballet Folklorico del Estado de Mexico
Ballet Folklorico del Estado de Yucatan
Ballet Folklorico del Gobierno del Estado de Veracruz
Ballet Folklorico Mixcoatl
Ballet Folclorico Nacional de Mexico Aztlan Silvia Lozano
Jarocho

Rusia
Kirov Ballet
Bolshoi Ballet - Moscu
Moiseyev Ballet

Estados Unidos
Alvin Ailey American Dance Theater - Nueva York
Ailey II - Nueva York
American Ballet Theatre - Nueva York
New York City Ballet - Nueva York
San Francisco Ballet - San Francisco
Joffrey Ballet - Chicago
Atlanta Ballet - Atlanta
Pacific Northwest Ballet - Seattle
Houston Ballet - Houston
Miami City Ballet - Miami
Ballet Arizona - Phoenix
Boston Ballet - Boston
Ballet Austin - Austin
Carolina Ballet - Raleigh
Sarasota Ballet - Sarasota
Pennsylvania Ballet - Filadelfia

Inglaterra
English National Ballet
Birmingham Royal Ballet
Royal Ballet

Canada
National Ballet of Canada - Toronto

Australia
Australian Ballet

Holanda
Netherlands Dance Theater - La Haya

Italia
Aterballetto

Alemania
Hamburg Ballet - Hamburgo

Francia
Ballet Preljocaj - Aix-en-Provence
Ballet de la Opera de Paris

Cuba
Ballet Nacional de Cuba

Escocia
Scottish Ballet - Glasgow

San Francisco Ballet

2009-05-19T13:28:00.056-05:00

(Click en las fotos para ver tamaño original)

La compañía profesional de ballet más antigua de Estados Unidos ha emergido como una organización artística de clase mundial desde su fundación con el nombre de San Francisco Opera Ballet en 1933. Inicialmente su propósito principal era entrenar bailarines para su aparición en fastuosas producciones de ópera de larga duración. Nunca he visto en vivo a esta compañía, pero con lo que he visto en videos y TV no necesito verla en directo para afirmar que es una de las grandes, uno de los mejores ballets del mundo.

William Christensen llegó en 1938 y coreografió la primera producción de larga duración de la compañía: Coppélia, al año siguiente. En 1940, montó la primera producción de El Lago de los Cisnes. En Nochebuena de 1944, Christensen hizo el lanzamiento de una festiva tradición nacional con la premiere del Cascanueces, la primera versión completa del ballet presentada en los Estados Unidos. En 1942 la Compañía se convirtió en una entidad totalmente separada de la ópera y fue renombrada San Francisco Ballet. Willam Christensen era el director artístico y su hermano Harold fue designado director de la San Francisco Ballet School, cargo que retuvo durante 33 años. Lew Christensen, primer bailarín de Estados Unidos, se unió a Willam como co-director en 1951 y se hizo cargo de la Compañía el año siguiente. Bajo la dirección de Lew, la Compañía hizo su debut en la Costa Este en el Jacob’s Pillow Dance Festival en 1956 y una gira por 11 países Asiáticos el siguiente año, marcando las primeras presentaciones de una compañía de ballet Americana en el Lejano Oriente.

En 1972, después de presentarse en diversos teatros de San Francisco, la Compañía se estableció permanentemente en la War Memorial Opera House. Al año siguiente, Michael Smuin fue designado director artístico asociado y celebró su nueva sociedad con Lew Christensen colaborando en una producción de larga duración de Cenicienta. Otras grandes producciones de Smuin fueron Romeo y Julieta y The Tempest, el primer ballet transmitido en vivo desde la War Memorial Opera House y nominado para 3 Premios Emmy (Willa Kim recibió el premio por Diseño de Vestuario Sobresaliente). Tres años después, Smuin recibió un Premio Emmy por la Coreografía de “Great Performances—Dance in America” transmisión nacional de A Song for Dead Warriors.

En 1974 el San Francisco Ballet se enfrentó a la bancarrota, pero sus partidarios y la comunidad respondieron con un extraordinario esfuerzo local llamado “Salve a Nuestro Ballet,” que exitosamente sacó a la Compañía del problema. Ese mismo año, el Dr. Richard E. LeBlond, Jr. fue designado presidente y director general de la San Francisco Ballet Association, desarrolló el primer plan a largo plazo para una compañía de danza Estadounidense y en 18 meses el San Francisco Ballet se encontraba financieramente en números negros.

La llegada de Helgi Tomasson como director artístico en Julio de 1985 marcó el comienzo de una nueva era para el San Francisco Ballet. Al igual que Lew Christensen, Tomasson había sido por muchos años bailarín principal del coreógrafo de ballet más importante del siglo XX: George Balanchine. Antes de dos años de la llegada de Tomasson, el San Francisco Ballet develó su cuarta producción del Cascanueces durante la Temporada de Repertorio No. 54 de la Compañía. Tomasson desde entonces ha montado aclamadas producciones de larga duración de muchos clásicos, incluyendo El Lago de los Cisnes (1988); La Bella Durmiente (1990); Romeo y Julieta (1994); Giselle (1999); Don Quijote, en colaboración con el antes Bailarín Principal y actual coreógrafo residente Yuri Possokhov (2003); y un nuevo Cascanueces (2004).

En 1991 el San Francisco Ballet se presentó en Nueva York por primera vez en 26 años, regresando en 1993, 1995, 1998, 2002 y 2006 para el primer compromiso de la Compañía en el Lincoln Center Festival. Después de la primera gira, The New York Times proclamó: “El Sr. Tomasson ha logrado algo sin precedentes; llevó a una compañía regional a clasificaciones nacionales, y lo ha hecho perfeccionando a los bailarines dentro de un estilo clásico de brío y pureza asombrosos. Bajo el liderazgo de Helgi Tomasson, esta es una de las espectaculares historias de éxito de las artes en Estados Unidos.”

El San Francisco Ballet continúa enriqueciendo y expandiendo su repertorio, presentando aproximadamente 100 funciones anualmente. El vasto repertorio de la Compañía incluye trabajos de Sir Frederick Ashton, George Balanchine, August Bournonville, Christopher Bruce, Val Caniparoli, Lew Christensen, Nacho Duato, Flemming Flindt, William Forsythe, James Kudelka, Jirí Kylián, Lar Lubovitch, Agnes de Mille, Sir Kenneth MacMillan, Hans van Manen, Peter Martins, Mark Morris, Rudolf Nureyev, Marius Petipa, Roland Petit, Jerome Robbins, Paul Taylor, Antony Tudor y Christopher Wheeldon.

En años recientes el programa de giras de la Compañía se ha vuelto crecientemente ambicioso. En particular, la Compañía ha desarrollado fuertes relaciones con varios centros domésticos de artes escénicas incluyendo el John F. Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C.; el New York City Center y el Southern California’s Orange County Performing Arts Center. También ha realizado giras más frecuentes al extranjero, incluyendo compromisos con prestigiosas sedes como el afamado Opéra de Paris-Palais Garnier en Paris (2001); el Sadler’s Wells Theatre (1999, 2004) y la Royal Opera House en Covent Garden (2002) en Londres; el Teatro Megaron en Atenas (2002); el Dorothy Chandler Pavilion en Los Angeles (2003) y el Edinburgh International Festival en la Edinburgh Playhouse (2003).De la presentación de la Compañía en Londres en 2004, David Dougill de The Sunday Times escribió: “La sobresaliente dirección artística de Helgi Tomasson (ahora en su año número 20)…ha transformado una compañía regional Estadounidense en una de las mejores compañías de ballet del mundo.”

En 2005 la Compañía regresó a Paris, participando en Les étés de la danse de Paris, un nuevo festival de danza realizado en exteriores en el distrito Marais de Paris. Como parte del repertorio de tres programas, el San Francisco Ballet presentó trabajos comisionados de los coreógrafos aclamados internacionalmente Lar Lubovitch, Paul Taylor y Christopher Wheeldon.

En 2004, el San Francisco Ballet fue la primera compañía de ballet Estadounidense en presentar la obra de larga duración Sylvia, con coreografía totalmente nueva de Mark Morris. La Compañía también realizó la Centennial Celebration, una celebración de dos semanas, en honor del centenario del nacimiento del Coreógrafo Maestro George Balanchine. En diciembre de 2004, el San Francisco Ballet estrenó la nueva producción de Tomasson del Cascanueces, aclamada por The New York Times como “…sorprendente, elegante y hermosa.”

En 2005, a Tomasson le fue otorgada la prestigiosa medalla Lew Christensen Medal en honor de su vigésimo aniversario como director artístico del San Francisco Ballet, y ese mismo año la Compañía ganó su primer premio Laurence Olivier Award, por su temporada de otoño de 2004 en el Sadler’s Wells Theatre.

En 2006, en una encuesta realizada a lectores conducida por la revista Dance Europe, el San Francisco Ballet fue la compañía no Europea más votada como “Compañía del Año”. En 2008, el San Francisco Ballet celebró su aniversario número 75. La Escuela del San Francisco Ballet, supervisada por Tomasson, atrae estudiantes de todo el mundo, entrenando un promedio de 350 anualmente. Además de engrosar las filas del San Francisco Ballet, los graduados se han incorporado a distinguidas compañías de ballet en todo el mundo.

Isaac Hernández, uno de nuestros orgullos mexicanos de la danza, se convirtió rápidamente en bailarín principal de esta gran compañía, a la cual se incorporó en 2008 y de quien se han leído muy buenos comentarios en las críticas internacionales.

Maya Plisetskaya

2009-04-15T22:30:00.019-05:00

Leyenda Viviente de la DanzaEn su cumpleaños No. 80 - Gala en Moscú
(Click en fotos para tamaño original)

Diosa de la Danza, considerada entre las más grandes bailarinas del siglo XX, una de mis predilectas. Tuve la oportunidad de verla bailar en vivo en los 70's en la Arena México, con el Ballet Bolshoi. Ese movimiento de brazos en La Muerte del Cisne jamás lo olvidaré, lo tengo muy presente en mi memoria y aún se me pone la piel de gallina cuando pienso en ello. En aquella ocasión la hicimos salir 6 veces y la llenamos de aplausos para que ella nos ofreciera el "Encore". Para mí, el poder verla bailar en vivo fue un privilegio, un verdadero honor, de esos que no se tienen con frecuencia en la vida. Yo hubiera puesto aún más fotos de ella, pues me encanta como luce siempre, con su gran físico y su expresión plena de satisfacción. En el slideshow del lado derecho de este blog tienen más fotos.

Maya es conocida por la altura de sus saltos, su espalda extremadamente flexible, la fuerza técnica de su danza y su carisma. Sus port de bras son estupendos y ella en verdad se posesiona del escenario. Nació en Moscú el 20 de noviembre de 1925. La primera vez que bailó en el Teatro Bolshoi tenía 11 años. Desde el principio, Maya fue una clase diferente de bailarina; a diferencia de muchas bailarinas, ella no estuvo en el cuerpo de ballet. Fue nombrada solista inmediatamente después de graduarse a los 18 años en la Escuela Coreográfica del Gran Teatro Bolshoi en 1943 y bailó con esta compañía hasta 1990.

Rápidamente fue reconocida como una de las más destacadas bailarinas del mundo, combinando una técnica impecable con un matiz que va de lo sensitivo a lo emocional. Es una figura glamorosa dentro y fuera del escenario. Sus largos brazos tenían una fluidez que a la fecha permanece sin igual. Su interpretación de La Muerte del Cisne, una pieza corta que hizo famosa Anna Pavlova, se convirtió en su tarjeta de presentación.

No hay que confundir esta obra con El Lago de los Cisnes, mucha gente lo hace. La Muerte del Cisne originalmente se llama “El Cisne”, y es el décimo tercer movimiento del Carnaval de los Animales de Camille Saint-Saens en 1866. Se le conoce como La Muerte del Cisne por un poema de Tennyson. El coreógrafo Michel Fokine, quien había leído el poema, trabajó con Anna Pavlova para crear el famoso solo de ballet en 1905. Según la tradición, el cisne en el baile de la Pavlova está gravemente herido y agonizando. Sin embargo, Maya Plisetskaya lo re-interpretó simplemente como un cisne mayor y testarudo que se resiste a los efectos de la edad. Maya Plisetskaya bailó La Muerte del Cisne en una gala cuando cumplió 70 años.

A pesar de la aclamación en sus inicios, Maya no fue bien tratada por la dirección del Bolshoi. Ella era judía en un clima antisemita, su familia fue muy afectada durante el periodo Stalinista y su personalidad era rebelde, de modo que por razones políticas fue excluida y no se le permitió ir de gira fuera del país después de unirse al Bolshoi. Fue hasta 1959 que finalmente el presidente Nikita Khrushchev le permitió viajar al extranjero en el American Tour con el Bolshoi. Y el mundo pudo ver a Maya Plisetskaya.

Tuvo un gran éxito en América y desde entonces bailó mucho fuera de Rusia. Fue artista invitada del Paris Opéra Ballet en 1961 y 1964. Ella cambió el mundo del ballet para siempre, estableciendo objetivos más altos para las bailarinas de todas partes, en términos tanto de brillantez de técnica como de presencia dramática.

A lo largo de su carrera, su versatilidad le ha permitido encarnar a infinidad de personajes del ballet clásico muy diversos, como Odette-Odile en El Lago de los Cisnes, el rol principal en Carmen, Zarema en La Fuente de Bakchisaray, Kitri en Don Quijote, Aegina en Espartaco, Raymonda y Julieta. En lo personal me gustan mucho sus interpretaciones de La Muerte del Cisne y de Bolero de Maurice Béjart.

Maya Plisetskaya es la personalidad más apasionante que ha emergido del mundo del ballet desde la legendaria Anna Pavlova. Con su asombrosa energía y el total rechazo de las técnicas convencionales del ballet, se ha convertido en una leyenda por derecho propio. Su método revolucionario se dio a conocer en todo el mundo a través de sus interpretaciones de Raymonda y Odette/Odile en El Lago de los Cisnes. Muchos de los grandes coreógrafos del mundo han creado roles para ella, incluyendo a Yury Grigorovich, Alberto Alonso, Roland Petit (La Rose Malade) y Maurice Béjart (Isadora).

De entre las distinciones y premios que ha recibido durante su carrera, destacan el Premio de la Artista del Pueblo de la URSS (1959), el Premio Anna Pavlova de París (1962), el Premio Lenin (1964), la Distinción de Héroe del Trabajo Socialista (1985), la Orden de la Legión de Honor de Francia (1986), Nombramiento como profesora en la Sorbona (1987), la Medalla de Oro de las Bellas Artes de España (1991), Nombramiento como profesora en la Universidad del Estado de Lomonossov en Moscú (1993), la más alta condecoración de su país: la Medalla al Servicio de Rusia, recibida en tres ocasiones (1995, 2000 y 2005), el Russian National Olympus Prize en la nominación "Título Honorario: Superestrella" (2000), el Premio Ruso "Triumph" (2000), Premio Príncipe de Asturias de las Artes, España (2005), Premio Barbora-Radvilaite (Vilnius/Litvania) (2005), Praemium Imperiale en la nominación Theatre/Film, Japón (2006), Miembro de la rama Armenia de la Academia Internacional de Ciencias Naturales y Sociales (2008). Es doctora honoris causa por las universidades Lomonosov de Moscú, la Sorbona de París y la Hungarian Dance Academy de Budapest

En la actualidad, sigue vinculada a la gran vocación de su vida dando clases a jóvenes artistas de todo el mundo. La crítica decía de ella que tenía una personalidad arrolladora y un estilo propio inconfundible. Desde sus primeros éxitos se la conoce con el sobrenombre de "La Reina del Aire". Otro de sus sobrenombres es el de “La Diva de Moscú”.

Maya Plisetskaya tuvo una actuación a los 81 años en el Festival Jardins de Cap Roig, su última actuación ante el público de Cataluña, acompañada de las primeras figuras de los ballets Bolshoi de Moscú y Mariinsky de San Petersburgo y otros bailarines invitados.

Nacionalizada española en 1993, es de las muy pocas bailarinas que han alcanzado el título más prestigioso que una artista de esta especialidad puede conseguir, el de "Prima Ballerina Assoluta", que ya trataré en otro post. La presencia de su aliado más fiel, el pianista y compositor Rodion Shchedrin, quien compuso para ella cinco ballets, fue determinante en su vida. En su primera visita a Nueva York, el New York Times la llamó "La Callas del Ballet".

En 1994 presentó en Moscú sus memorias, con el título Yo, Maya Plisetskaya, autobiografía editada por Nerea (tr. 2001), en el que revela las dificultades que padeció como artista en la Unión Soviética y habla de su amor e "ilusión" por España desde su más tierna infancia, entre otras cosas. Este libro ha sido traducido a catorce idiomas, entre ellos el alemán, el italiano, el español, el japonés y el serbio.

En dicho libro también habla de la revolución, la muerte de su padre, ejecutado por orden de Stalin en 1937, la deportación de su madre con su hermano al Gulag y el hecho de ser considerada "hija de enemigo del pueblo", vivencias plasmadas por la artista quien gracias a sus tíos comenzó su carrera como bailarina en el Bolshoi.

Maya, que a su edad se muestra espléndida en todos los sentidos, durante la presentación del libro Yo, Maya Plisetskaya recordó su amor e ilusión por España desde niña. "El primer disco que oí en mi vida fue 'Carmen'. Yo tenía 7 años y aún no bailaba. A los 10, en la escuela coreográfica me entusiasmaba 'La jota española' y la bailaba con placer. Luego, en el teatro he bailado 'Don Quijote' o 'Fuenteovejuna', ballets clásicos sobre tema español, y mi esposo me escribió 'Imitación de Albéniz' y 'Carmen suite' en donde se hacía realidad este sueño que me persiguió desde siempre", dijo.

"El año pasado, por mi 80 cumpleaños, hicieron una gran fiesta en el Kremlin y pude bailar flamenco con Joaquín Cortés. Aquello tuvo mucho éxito", apostilló asegurando que en ella había mucho de España antes de trabajar ahí.

A este respecto, la bailarina y coreógrafa confesó que no volvería en las mismas circunstancias que cuando estuvo dirigiendo el Ballet Lírico Nacional de España. "La mayor dificultad era el idioma y luego había algunas personas que se aprovecharon de ello y ponían en mi boca cosas que nunca pensé ni imaginé. Con los artistas no tuve problemas, eran mis compañeros, pero reconozco que mi capacidad organizadora era menor que mi capacidad como bailarina. Aquello fue un tormento", declaró. A pesar de ello, Plisetskaya de vez en cuando da clases magistrales, como las que ofreció en el Teatro de Madrid invitada por José Manuel Garrido.

En relación con los duros golpes recibidos en la vida, la artista aseguró que "lamentarse no sirve de nada" y señaló que todo lo que ha hecho ha sido superando "mucha resistencia", gracias a lo cual se halla ahora donde está. Para ella, recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes fue algo que le desbordó de entusiasmo. "Sabía que nunca se le había dado un premio tan alto al ballet y me sentí orgullosa y aún más por compartirlo con una joven bailarina como Tamara Rojo", dijo.

Sobre las claves de su longevidad profesional, Maya Plisetskaya ejemplificó con los cientos de rosas que le regalan; las cuida y les cambia el agua diariamente, pero al final todas acaban mustias, menos una. Pues eso mismo ocurre con las personas", concluyó.

En el año 2000 creó con su marido (desde 1958) la Fundación Maya Plisetskaya y Rodion Shchedrin, ubicada en la localidad alemana de Mainz, con el objetivo de preservar, documentar y facilitar el acceso libre a la obra artística de ambos.

El primer trabajo de Plisetskaya como coreógrafa fue un ballet basado en Ana Karenina de Tolstoy, utilizando música compuesta por su esposo, puesto en escena en 1972 y filmado en 1974. En este montaje Plisetskaya asumió las tareas de directora escénica y coreógrafa. Fue directora artística del Ballet de la Ópera de Roma (1984–1985) y del Ballet Lírico Nacional de España (1987-1989). En 1994 fundó el Ballet Imperial Ruso.A la edad de 65 años, finalmente se retiró del Bolshoi como solista.

En su cumpleaños número 70, debutó en un número coreografiado exclusivamente para ella por Maurice Béjart, titulado "Ave Maya", basado en el "Ave María".

Desde 1994, ha estado presidiendo la competencia internacional anual de ballet llamada "Maya". En 1996 fue nombrada Presidenta del Ballet Imperial Ruso.

En su cumpleaños número 80, en la gala que se le ofreció en el Kremlin de Moscú, deleitó a los 6,000 asistentes con la clásica "Ave Maya", en la que hizo gala de una elasticidad envidiable (La Gaceta de Tucumán). El Financial Times resumió la actual opinión sobre Maya en las siguientes palabras: “Ella era, y aún es, una estrella, un monstruo sagrado del ballet, la última exposición del glamour teatral, un faro de intensos destellos en un mundo de tenues talentos titilantes, una hermosura en el mundo de lo bonito.”

¿Cómo no admirar a esta gran bailarina? ¡Ave Maya!

Encontré estas palabras en una nota del escritor peruano Richar Primo sobre la actuación de Maya Plisetskaya a los 81 años en Cap Roig, que me parecen además de hermosas, muy ciertas:

“He creído pertinente destacar esta nota porque, cuando a los 81 años, el cansado cuerpo aún está sujeto al espíritu que lo llevó a vivir el arte en cada respiro, entonces estamos hablando de asuntos mayores que hay que, cuando menos, envidiar.”

Aquí les dejo unos videos de Maya Plisetskaya:

Video de La Muerte del Cisne click AQUI

Ballroom Dance

2009-03-25T00:37:00.001-06:00

(Click en las fotos para tamaño original)

El Ballroom se conoce en todo el mundo como un conjunto de bailes de diferentes ritmos y estilos que están categorizados en dos secciones, los Bailes Standard (o Europeos) y los Bailes Latinoamericanos.

Para mí es un deleite ver los campeonatos de Ballroom y las exhibiciones de campeones, me gustan todos los ritmos, me encanta ver las diferentes técnicas de las parejas y generalmente en una sesión de éstas siempre se goza con los vestuarios que suelen ser espectaculares.

Para bailar Ballroom a nivel social, los únicos requisitos son ganas de bailar, disfrutar de la música y nada más. No existe una edad para bailarlos, se pueden tener 15 años u 85. El baile social está pensado para bailar, pasarlo bien y disfrutar con su pareja o con amigos. El Ballroom desarrolla la auto confianza, la buena postura, la elegancia, el equilibrio y las habilidades sociales.

Para bailar a nivel competitivo cambian los requisitos ya que el propósito es participar en campeonatos, competencias y exhibiciones a nivel regional y mundial. Hay que tener disponibilidad de tiempo (alguien que de verdad quiera competir a nivel internacional, debe entrenar mínimo de 3 a 5 días por semana), una condición física impecable y el factor más importante: la edad. Se tiene que empezar a más tardar a los 16 o 17 años, más tarde ya es imposible llegar a un buen nivel. Todo esto considerando que en Europa, donde el baile Ballroom tiene una tradición más antigua, muchos chicos empiezan a los 13 o 14 años, incluso desde los 10 años.

Se cree que el Ballroom actual evolucionó alrededor de 1910 en Inglaterra. Después se agregaron más figuras y creció el interés tanto de los ejecutantes como de los espectadores.

Actualmente el Ballroom o Baile de Salón disfruta de un gran resurgimiento en popularidad, en parte por los programas de TV en los que personalidades muy conocidas forman pareja con bailarines profesionales. En los Estados Unidos los clubes de salud están agregando el baile de salón a sus programas de ejercicio. Parece que muchos hombres prefieren esta opción a la de inscribirse en un estudio especializado de baile. Los instructores dicen que el baile de salón provoca menos estrés en rodillas y tobillos que otros ejercicios aeróbicos como correr o las clases de step. Durante muchos años se ha luchado por que el Ballroom sea considerado deporte, de hecho actualmente en algunos entornos se le llama Sport Dance. Yo no estoy de acuerdo ni lo estaré nunca, el deporte es una cosa y la danza es otra, y siempre defenderé eso. ¿Quieren medallas? Hay competencias de danza. Cierto que los bailarines también son atletas, y de los más completos, pero son eso: bailarines. La Danza es un arte, el deporte no, sin menospreciarlo, pero no son lo mismo y nunca lo serán.

Aunque algunos de estos bailes tienen sus raíces en Latinoamérica, EEUU o España, fueron los ingleses quienes los adaptaron al estilo Ballroom. Ellos los catalogaron, coreografiando cada paso, cada movimiento.
Por esta razón, los bailes Ballroom, aunque usen la misma música, se distinguen notoriamente de los bailes “originales”. Es decir que, por ejemplo, una Samba de Ballroom no tiene nada que ver con una Samba bailada en Brasil. Lo mismo pasa con el Tango, el Paso Doble, etc. El Ballroom es simplemente un estilo específico de baile con sus propias reglas, leyes y técnica.

Estilos
Existen diversas categorías estandarizadas. Los dos estilos principales se conocen como estilo Internacional y estilo Americano. El estilo Americano es ejecutado principalmente en los Estados Unidos y no está tan estandarizado como el estilo Internacional.

Cada estilo tiene dos categorías. En el estilo Internacional se llaman STANDARD y LATIN y en el estilo Americano las categorías son conocidas como SMOOTH (Suave) y RHYTHM (Ritmo).

El estilo Internacional comprende:

Categoría Standard – Vals Inglés, Tango, Vals Vienés, Foxtrot, Quickstep

Categoría Latin - Cha Cha Cha, Rumba, Samba, Paso Doble, Jive

El Estilo Americano comprende:

Categoría Smooth - Vals, Tango, Foxtrot, Vals Vienés

Categoría Rhythm - Cha Cha, Rumba, East Coast Swing, Bolero, Mambo

Los bailes Ballroom siempre son de pareja y se ejecutan en diferentes niveles. Mientras que el hombre guía y la mujer lo sigue, es el hombre quien es responsable de la coreografía y dirección del desplazamiento.

La Línea de Baile
La línea de Baile es una línea imaginaria que representa la fluidez de tráfico alrededor de la pista de baile. Durante el movimiento en los bailes como el vals y el tango, todos los bailarines se moverán en la misma dirección general en contra de las manecillas del reloj (counterclockwise), con el objeto de minimizar colisiones.

Spot vs. Progresivo
Cada estilo de baile puede ser categorizado como Baile Spot (en un área determinada) o Baile Progresivo (con desplazamiento). Los bailes Spot se caracterizan por movimientos que hacen que los bailarines permanezcan en una área general de la pista durante todo el baile, mientras que los bailes progresivos contienen movimientos que hacen que los bailarines se desplazen continuamente por la línea de baile. La Línea de Baile sólo aplica a esta última categoría.

BAILES SPOT (sin línea de baile)
Cha cha chá, Rumba, Bolero, Mambo/Salsa, Merengue, Swing/Jive

BAILES PROGRESIVOS (por la línea de baile): Vals, Foxtrot, Tango, Vals Vienés, Quickstep, Paso Doble*, Samba*

Todos los bailes Standard/Smooth están clasificados como bailes progresivos, mientras que la mayoría de los bailes Latin/Rhythm están clasificados como bailes spot. Las dos excepciones son la Samba y el Paso Doble, que tienen la distinción de ser los únicos bailes latinos que se mueven alrededor de la línea de baile.

Movimiento alrededor de la Línea de Baile
La línea de baile es más un rectángulo que un círculo (lo cual no es accidental, ya que la mayoría de los salones son rectangulares). Esto divide a la línea de baile en dos áreas distintas: Lados y Esquinas. Cuando se baila en el lado del salón, se viaja a lo largo de la línea de baile hacia la esquina. Cuando se llega a la esquina, se da vuelta en la misma y se empieza a viajar en la “nueva” línea de baile.

Aún en los bailes progresivos, no todos los movimientos viajarán exactamente a lo largo de la línea de baile. Algunos movimientos pueden viajar a través de la misma, zigzaguear adentro y afuera, o hasta moverse en contra de ésta por un corto periodo de tiempo. Pero el movimiento global debe continuar avanzando en la dirección de la línea de baile. La cantidad de espacio en el salón proporcionado a cada pareja depende de muchos factores, incluyendo el tamaño de la pista, el número de bailarines en la misma, el baile y el entorno (baile social, competencia, espectáculo, etc).

Como regla general, es mejor usar los lados del salón para desplazarse. Las esquinas dan más flexibilidad para girar y cambiar de dirección, ya que todo mundo hace lo mismo ahí. Las figuras estacionarias, líneas y poses se deben reservar para el centro del salón, en donde la fluidez de tráfico es menos pronunciada.

Alineaciones
La alineación se refiere a la dirección en que los pies están apuntando en relación con el salón. Los 3 principales puntos de referencia en el salón son la línea de baile, la pared, y el centro.

La Pared
La mayoría de los salones tienen cuatro paredes, pero “la Pared” a la que nos referimos cuando se habla de la línea de baile y las alineaciones, es la pared a la que más se acercan los bailarines cuando se desplazan por la Línea de Baile. Cuando se está de frente a la Línea de Baile, la pared estará a mano derecha.

El Centro
Hay dos centros en el salón: El Centro Verdadero, que es el punto central del salón, y el Centro Relativo, que es la alineación directamente opuesta a la Pared. Sin importar en dónde se esté parado en el salón, si se está de frente a la Línea de Baile, el Centro Relativo estará a mano izquierda. Las alineaciones, según escrito en los grados, siempre se refieren al Centro Relativo (al cual se hace referencia simplemente como “centro”).

Facing, Backing, Pointing
Además de indicar la dirección de los pies, las alineaciones también se pueden referir a la orientación del cuerpo o hasta a la dirección en que el cuerpo se está desplazando). Cuando los pies están apuntando hacia enfrente y la dirección de movimiento es hacia adelante (derecho o diagonalmente) o al lado, la alineación se refiere como “Facing” (Ej. “Frente a la Línea de Baile”).

Cuando los pies están apuntando hacia enfrente pero el cuerpo se está hacia atrás (derecho o diagonalmente), se hace referencia a la alineación como “Backing” (Ej. “Espalda al Centro”).

Cuando los pies se voltean a una alineación diferente a la del cuerpo, se hace referencia a “Pointing to” (Ej. “Apuntando hacia la Pared”).

Postura
Una buena postura es esencial para un baile cómodo y efectivo, que se logra por medio de la alineación apropiada de las diferentes partes del cuerpo en la posición correcta relativa de ambos bailarines. Las diversas partes del cuerpo, incluyendo cabeza, torso, pelvis, piernas y pies, están alineadas apropiadamente cuando se colocan directamente una encima de la otra de manera natural y erguida.

Cabeza
La cabeza debe sostenerse hacia arriba, con la barba paralela al piso. El cuello debe estirarse hacia arriba, pero con cuidado de no alargar algún lado del mismo afectando el lado opuesto. Todos los lados del cuello deben estirarse hacia arriba. Hay que poner atención particular en la parte de atrás del cuello, que con frecuencia se acorta cuando la barba se mantiene demasiado alta. También hay que tener cuidado de no sacar la cabeza adelante desde el cuello, y las vértebras del cuello deben continuar hacia arriba como una extensión de la columna.

Torso
El pecho y las caderas siempre deben estar en buena alineación vertical. La caja torácica se debe sentir como si estuviera siendo despegada de las caderas, como si se quisiera alargar la columna. Cualquier levantamiento de pecho debe siempre ser llevado a cabo de tal modo que permita una respiración normal y cómoda. Nunca dejar que el pecho salga hacia delante o se encorve hacia atrás en relación con las caderas.

Pelvis
La posición de las caderas debe permitir una curva natural de la columna. La pelvis, por lo tanto, se debe sostener en una posición media, ni muy hacia abajo ni muy hacia atrás.

Piernas
Cuando las piernas están derechas, las rodillas se posicionarán directamente entre las caderas y los pies. Cuando las rodillas se doblen hacia delante, la alineación de caderas y pies debe permanecer constante, de modo que el cuerpo pueda mantenerse erguido. Siempre trate de sentir que alarga el torso mientras dobla las rodillas, de modo que su postura no se “desinfle”. Nunca deje que su pelvis salga hacia atrás, ni siquiera ligeramente, mientras dobla las rodillas.

Pies
Es muy importante para un buen bailarín estar consciente de la colocación del peso del cuerpo sobre los pies. En una posición de pie normal, el peso del cuerpo debe permanecer ligeramente hacia delante de la mitad de los pies, entre el talón y la bola del pie. En movimiento, esta posición es variable, basada en la mecánica del movimiento específico, que variará desde la parte posterior del talón hasta el frente del dedo gordo del pie, pero esta distribución de peso no debe afectar la alineación de los bloques superiores de peso, de las caderas a la cabeza.

Ahora a disfrutar del Ballroom en estos videos:
He puesto un poco de todo. Espero que después de ver esto, se vuelvan amantes del Ballroom, yo lo soy. El primer video es de mis favoritos. El último video es una sorpresa muy agradable a la vista y al oído, no se lo pierdan.

Cursos de Danza

2009-03-24T23:12:00.014-06:00

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Cyd Charisse

2009-02-11T01:01:00.015-06:00

Icono femenino del musical Hollywoodense
(click en las fotos para ver tamaño original)

Una de las bailarinas más sensuales que he visto en mi vida. Difícil es manejar la sensualidad en la danza, pero ella lo logra de una manera inigualable, sin perder la elegancia que siempre la caracterizó. Es de las bailarinas que nos hace pensar que es muy fácil bailar y que los pasos que se están ejecutando son cualquier cosa. Sus piernas fueron famosas en Hollywood, eran hermosas y alguna vez apareció en el Libro Guinness de Records Mundiales por tener las piernas más valiosas del mundo, debido a una póliza de seguro por $ 5 millones de dólares por ellas.
Si el gran musical de Hollywood hubiera sido un maravilloso y colorido pero inevitablemente finito despliegue de fuegos artificiales, Cyd Charisse sería sin duda su reluciente gran final. Cyd fue como esa majestuosa explosión a través de un cielo titilante que nos deja a todos sin aliento. La mujer a la que alguna vez Fred Astaire describió como “dinamita hermosa” era verdaderamente una explosión de talento y glamour. ¿Era bailarina o actriz? ¿Una reina de belleza o una atleta dotada? La respuesta por supuesto es sí, ella era todo eso y mucho más.

Mientras que Cyd es universalmente conocida por tener quizá las más célebres piernas en la historia de Hollywood, es el trabajo de su cuerpo al que se le deben muchos de los mejores números musicales alguna vez filmados. Una de sus mejores ejecuciones es la secuencia “Broadway Melody Ballet” con Gene Kelly en el clásico “Singin’ In The Rain”. Sus numerosos duetos en la gran pantalla tanto con Kelly como con Astaire son actualmente considerados como punto de referencia de la industria.
Sin importar quien fuera su pareja, cuando Cyd estaba enfrente de la cámara, era la esencia de fuerza y dignidad. Ella proyectaba fríamente poder y fuerza mientras que de algún modo permanecía completamente femenina.Su glamorosa imagen engalanaría las portadas de Life, Newsweek, Look y todas las revistas de cine imaginables en los puestos de periódicos del mundo.
Cyd nació el 8 de Marzo de 1922 en Amarillo, Texas y su nombre real era Tula Ellice Finklea. De niña padeció de polio, y la familia pensó que la danza sería buena para su recuperación, sobre todo su padre quien amaba el ballet y la animó a bailar. Y ella bailó. Estudió ballet clásico y a los 14 años estaba dentro del Ballet Russe en Montecarlo, trabajando con David Lichine y Leonid Massine. Pronto apareció en el programa de esa compañía como Felia Sidorova, combinación de su apellido y su apodo de niña “Sid”.
Después de su regreso a Texas para estar cerca de su enfermo padre -quien falleció pronto- Cyd estudió baile en Los Angeles con Nico Charisse. Se casó con su ex-maestro de danza en 1939. Aunque su matrimonio fue corto, fue Nico quien dio a Cyd su inolvidable apellido.

Apareció en pequeños papeles en las películas de 1943 “Mission To Moscow” (representando a una bailarina del Bolshoi) y “Something To Shout About” como Lily Norwood, pero cuando la MGM la contrató en 1945, ajustó el apodo Sid a “Cyd”. Su nuevo nombre parecía combinar perfectamente con su fluida belleza y el escenario estaba listo para el estrellato.

Con Gene Kelly en Singin’ in the Rain, el más famoso
musical de todos los tiempos

Desde fines de los 40’s hasta fines de la siguiente década, Cyd Charisse se convirtió en una de las más populares estrellas de la MGM. Al principio sólo apareció únicamente como bailarina, pero hizo la transición a una actriz completa con un atractivo impresionante en taquilla. Sus actuaciones destacadas anteriores incluyen las producciones de 1946 “The Ziegfeld Follies” dirigida por Vincent Minelli y “The Harvey Girls”, esta última con la superestrella Judy Garland. Después vinieron "Tension" (su primer papel en una película no musical), “Words and Music”, “East Side West Side”, "Mark of the Renegade", en la que representó el papel de una española y bailó con Ricardo Montalbán y “Wild North”, una película del oeste en el que apareció como una muchacha india.
Pero fue sin duda en 1952 cuando se volvió famosa, con la secuencia de baile “Broadway Melody Ballet” en “Singin’ In The Rain” que incrustó el nombre Cyd Charisse en el conocimiento del cine colectivo. Su presencia provocativa e indudablemente moderna dejó a los públicos clamando por más. Su vestido, peinado y “look” fueron una revelación.
"Singin' in the rain" y "The band wagon" son las películas más importantes de Cyd Charisse, y las actuaciones como la de Broadway Melody Ballet en la primera y Dancing in the dark y The Girl Hunt Ballet en la segunda, están por siempre en el Salón de la Fama de los Musicales de Hollywood.
La estrella de Cyd centelleó y su gallardo compañero de estudios MGM, Fred Astaire lo notó. El hombre al que eventualmente Cyd llamó “el más perfecto caballero que he conocido”, se convirtió en su último compañero de la pantalla. En 1953 la película “The Band Wagon”, dirigida por Vincent Minnelli, incluyó dos números clásicos Astaire/Charisse. La química desencadenada durante los duetos “Dancing In The Dark” y “The Girl Hunt Ballet” es nada menos que magnífica. Cyd volvió a ser pareja del primer actor Gene Kelly en “Brigadoon” y “It’s Always Fair Weather” y después volvió a trabajar con Astaire en el clásico de 1957 “Silk Stockings”.
Cuando se le preguntó con cual de las dos leyendas de la danza (Astaire o Kelly) prefería deslizarse por el celuloide, ella tímidamente respondió: “Es como comparar manzanas y naranjas. Ambas son deliciosas.” En 1958, actuó en "Party Girl", ejecutando dos actos de baile que son admirables, pero también es sorprendente en su papel dramático en esta película, que es su último gran musical.
Ver bailar a Cyd Charisse puede ser una experiencia completamente fascinante. Sus movimientos se dan en una constante fluidez, siempre equilibrados, nunca se detienen. Se mece, extendiéndose, como una esbelta rama en una tormenta que comienza. Larga y ligera, con apariencia firme. Ella siempre es agradable a la vista pero no necesita la aprobación de nadie. Es como si la naturaleza tuviera en su plan que ella fuera una extensión de su propia expresión artística. Hay algo en la forma en que ella se mueve.

“Nunca pensé en mí como una ‘estrella’, ni siquiera después de hacer mis películas más importantes”, decía Cyd. “Quizá eso se deba a que soy básicamente introvertida. Yo sabía que amaba trabajar, bailar, actuar. Lo que el público ha hecho con ello es cosa del público. Esperaba gustarles y que admiraran mi trabajo, por supuesto, pero ese pedestal en el que me pusieron era insignificante para mi visión.”
Una razón por la que Cyd no dependió de ese pedestal fue el éxito de su vida fuera del escenario de filmación. Después de un serio romance con el millonario Howard Hughes, se casó con el célebre cantante Tony Martin en 1948, y tuvo a su hijo Tony Jr. en 1950. Hay que mencionar que a Cyd se le ofreció el papel protagónico femenino para actuar con Gene Kelly en la película ganadora del Oscar “An American In Paris.” Ella no aceptó y optó por tener a su hijo. Esa es la clase de decisión con la que alguien que no depende del estrellato está a gusto.
Cuando terminó la época de oro del musical en Hollywood Cyd continuó como una actriz de cine respetada y una personalidad de la televisión. Estuvo nominada para un Emmy por su especial de TV “An Evening With Cyd Charisse.” Su actuación en la película de 1962 “Two Weeks In Another Town”, con Kirk Douglas también fue excepcional. Ese mismo año Cyd trabajó con Marilyn Monroe en su última película “Something’s Got To Give” cuya producción fue interrumpida a la mitad del proceso poco tiempo antes de la muerte de Monroe y nunca fue terminada. En 1964 Cyd y su esposo Tony lanzaron un exitoso acto para centro nocturno que permitió a la pareja continuar cerca de sus fans y uno del otro. La tendencia de la industria de desafiar al matrimonio duró más de 50 años. ¡Eso es amor!

En Diciembre 15 del 2000, a Cyd le fue otorgado el primero de los premios Nijinsky por la Princesa Carolina en Mónaco por sus aportaciones de toda la vida al mundo de la danza.

La más grande bailarina de Hollywood de todos los tiempos falleció el 17 de Junio de 2008 en Los Angeles, California y fue enterrada en el Hillside Memorial Park Cemetery en Junio 22 de 2008.
Fred Astaire dijo: ''Ella no era sólo una bailarina de tap, era sencillamente hermosa, entrenada y muy fuerte en todo lo que hicimos. Cuando bailábamos, no sabíamos qué hora era.''

Nota: Los títulos de las películas los he dejado en inglés debido a que tienen diferentes traducciones en los países de habla hispana, por lo que prefiero mantener sus títulos originales.
Aquí tienen unos videos de sus películas, que los disfruten.

Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT)

2009-01-24T23:10:00.003-06:00

Revelations

Foto de Andrew Eccles
(Click para ver tamaño original de las fotos)

Una de las mejores compañías de danza moderna del mundo que se ha ganado una gran reputación. Su estilo es original y en dondequiera que se presenta siempre es un éxito, arrancando aplausos de todo tipo de público, conocedor o no de la danza. Yo tuve el privilegio de ver la actuación en vivo de esta compañía en dos ocasiones en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Indudablemente es una de las compañías con mayor personalidad.

Alvin Ailey, su creador (al que dedicaré un post como coreógrafo más adelante), tomó técnicas de danza de Lester Horton, Martha Graham, José Limón y otros, y las combinó con los idiomas dancísticos del jazz, Broadway y el ballet. Esta variedad es el sello de Ailey. Con frecuencia intercaló voces en su trabajo. El rango de estilos en su obra maestra “Revelations” es un ejemplo de su genio. Ailey hizo la coreografía para esta obra a los 29 años.

La universalidad de su repertorio es interesante, y con frecuencia emocionante. Los solos en sus ballets son espectaculares, los de “Cry” y “The Lark Ascending” son buenos ejemplos de ello. Ailey direcciona la técnica para mostrar cómo el dominio de un movimiento puede expresar algo más grande. Esto lo vemos en partes de “Revelations” como el dueto “Fix Me, Jesus” y el solo “I Wanna Be Ready”.

Los mejores trabajos de Ailey fueron extraídos de las tradiciones Afro-Americanas y una temática. En sus obras el rigor de la danza se vuelve una expresión de aspiración religiosa, hazaña apenas planteada por ningún otro coreógrafo. Un asombroso control en las piernas expresa más de un aspecto del espíritu del blues: desolación, enfoque y grandeza al mismo tiempo.

Lo que me parece maravilloso de esta gran compañía, sin importar la obra que ejecuten, es la limpieza de técnica, la fuerza de los movimientos, su proyección de sentimientos profundos, espiritualidad y sobre todo es impresionante la actitud tan fuerte que tienen los bailarines que hace vibrar de emoción el cuerpo del espectador.

Un poco de historia

En 1958 Alvin Ailey y un grupo de jóvenes bailarines negros de danza moderna actuaron por primera vez como miembros del Alvin Ailey American Dance Theater en la YM-YWHA de la Calle 92 de Nueva York. En 1960 AAADT se convierte en compañía residente del Clark Center for the Performing Arts de la YWCA en la Calle 51 –la primera residencia oficial de la Compañía. Ese mismo año Alvin Ailey coreografía su obra maestra (masterpiece) Revelations, un muy amado clásico de la danza moderna que trae aclamación international a la Compañía. A partir de ahí viene una serie de éxitos para Alvin Ailey y su Compañía: presentaciones en TV, participaciones en festivales de artes, giras por diversos países, premios y reconocimientos internacionales importantes. En 1968 Ailey monta "Revelations" al Ballet Folklórico de México para la Olimpiada Cultural, siendo ésta la única presentación de "Revelations" por una Compañía diferente a AAADT.

La AAADT no sólo presenta coreografías de Alvin Ailey. Aunque él creó 79 ballets durante su vida, sostuvo que su compañía no era exclusivamente un almacén para su propio trabajo. Actualmente la Compañía continúa la misión de Alvin Ailey presentando trabajos importantes del pasado y comisionando a los nuevos para hacer adiciones al repertorio. Un promedio de 200 trabajos de más de 70 coreógrafos han sido presentados por la Compañía a través de los años.

Judith Jamison fue nombrada Directora Artística de la AAADT en Diciembre de 1989 a petición de su mentor, Alvin Ailey. Ella se unió a la Compañía en 1965 y bailó con ella durante 15 años ganándose los elogios de la crítica por su excelente trabajo. Como reconocimiento a su extraordinario talento, Ailey creó para ella algunos de sus más perdurables trabajos, particularmente el de “Cry”.

Foto de Andrew Eccles

Videos

Siendo su obra maestra, y además lo que en lo personal más me gusta de lo que conozco de su repertorio, aquí les pongo unos videos de “Revelations” (es la obra completa dividida en 3 partes, y no es muy larga, en total son 30 minutos aproximadamente. Les sugiero los vean en orden pues así se capta mejor la intención del maravilloso trabajo de Alvin Ailey). Que los disfruten.

El Cascanueces

2008-12-14T23:00:00.071-06:00

Aprovecho este post para enviarles desde México mis mejores deseos de paz, salud, abundancia y prosperidad
en esta Navidad

Maricarmen (Maika)

(Click en las fotos para ver tamaño original)

Se estrenó en Diciembre de 1892 en el Teatro Mariinsky (Kirov) de San Petersburgo. La música compuesta en 1890 por Tchaikovsky y la coreografía de Lev Ivanov. Ballet en dos actos basado en el cuento de E.T.A. Hoffman “El cascanueces y el rey de los ratones”. Tchaikovski compondría posteriormente una Suite orquestal inspirada en su propio ballet, tomando sobre todo movimientos del Segundo Acto. Sus personajes principales son: Clara, Drosselmeyer (padrino de Clara) y El Cascanueces.

Es el clásico “Ballet de Navidad”. En todo el mundo los teatros lo presentan durante esta época. Comprensible si se piensa que la historia refleja la magia, sueños infantiles, dulces y entusiasmo que trae consigo este especial período del año. Una historia llena de fantasía, vestuario maravilloso y bella música, casi siempre incluyendo la participación de niños, estudiantes de escuelas de danza del lugar.La música de Tchaikovsky de este ballet es de las más populares del compositor. Pertenece al Periodo Romántico y contiene algunas de sus melodías más memorables, algunas de las cuales se han utilizado frecuentemente en cine y televisión (sobre todo en comerciales en temporada de Navidad). Entre sus piezas más reconocidas están el Vals de las Flores, Trepak (Danza Rusa), la Marcha, y la Danza del Hada de Azúcar (Hada de la Ciruela de Azúcar). El ballet contiene armonías avanzadas y una riqueza de invención melódica sin igual en la música de ballet. La reverencia del compositor por el Rococo y la música de fines del siglo XVIII se detecta en algunos pasajes del Acto I.

Una novedad en la partitura original fue el uso de la celesta, un nuevo instrumento que Tchaikovsky había descubierto en Paris. Realmente lo quería para caracterizar al personaje del Hada de Azúcar debido a su "dulce sonido celestial". Este instrumento aparece no sólo en esta danza, sino en otros pasajes del Acto II. Ya había utilizado este instrumento en su mucho menos conocida balada sinfónica La Voyevoda (estrenada en 1891).

La música de esta obra es variada, incluyendo Gallop, Marcha, Divertissement, Danza Española, Danza Arabe, Danza China, Danza Rusa (Trepak), Tarantela, Variaciones (hermosa la del Hada de Azúcar), Adagios y Valses (el famoso Vals de las Flores). Disfruten de los Copos de Nieve y el Gran Pas de Deux.

Hay diferentes versiones de este maravilloso cuento, y para todos los gustos, entre ellas la realizada por Willam Christensen para el San Francisco Ballet en 1944 (primera compañía en los Estados Unidos que presentó la obra), George Balanchine en 1954 para el New York City, la de Rudolf Nureyev en 1967 para el Royal Ballet y la de Mikhail Baryshnikov para el American Ballet Theatre en 1976, entre otras.

Incluso se utilizó parte de la música de esta obra para la película “Fantasía” de Walt Disney. Se han hecho obras de jazz, musicales, satíricas y últimamente se ha incluido esta música hasta en Barbie.
Argumento
Primer acto:
La historia comienza con una fiesta, en la víspera de Navidad, en casa de los padres de Clara. Drosselmeyer es uno de los invitados a la fiesta y le trae varios regalos a su ahijada, entre ellos un cascanueces con forma de Soldado. Fritz, el hermano de Clara, trata de apoderarse del nuevo juguete de su hermana y lo rompe. Drosselmeyer lo arregla y la fiesta continúa. Después se retiran los invitados y todos van a dormir. Clara se duerme con su cascanueces y sueña que toda la casa se hace muy grande y el árbol de Navidad y los juguetes crecen y éstos toman vida. Aparecen entonces los ratones con su rey que pelean contra los soldados de plomo y el Cascanueces que también ha crecido. En la batalla, que está casi perdida por los soldados y el Cascanueces, Drosselmeyer interviene y Clara golpea al rey ratón con una de sus zapatillas (otras versiones dicen que Drosselmeyer da a Clara algo con fuego) y en la distracción el Cascanueces aprovecha y mata al rey ratón (en otras versiones los ratones huyen). El Cascanueces cae después de la batalla, agotado, y luego se convierte en un hermoso príncipe.

Clara y el Cascanueces comienzan su viaje por el Reino de las Nieves en donde suben en un hermoso trineo que los lleva hacia el Reino de los Dulces.

Segundo acto:

Clara, el Cascanueces y Drosselmeyer llegan al Reino de los Dulces donde los recibe el Hada de Azúcar, su Caballero y el resto de los dulces. El Cascanueces cuenta a todos la lucha contra el rey ratón y cómo Clara salió en su ayuda.

El Hada de Azúcar organiza una fiesta para ellos. Se suceden una serie de danzas de varios países en honor a los invitados. Luego todo se va esfumando, Clara despierta con su cascanueces, se da cuenta de que todo fue un sueño y se siente alegre por esta maravillosa aventura.

Aquí tienen unos videos del Cascanueces:
1. Danza del Hada del Azúcar (Danza del Hada de la Ciruela de Azúcar)
2. Vals de las Flores
3. Danza Rusa (Trepak)
4. Danza de los Mirlitons
5. Danza Arabe
6. Danza Española
7. Danza de los Copos de Nieve
8. Pas de Deux (completo)

Isaac Hernández

2008-11-21T21:16:00.010-06:00

Máxima promesa mexicana de la danza

Actualmente considerado estrella de la danza. Nació en Guadalajara, Jalisco, el 30 de abril de 1990. Hijo de los bailarines Héctor Hernández y Laura Fernández. Su padre fue su maestro y guía, dándole una formación estricta desde los ocho años.

A tan corta edad le han sido ofrecidas múltiples becas por afamadas escuelas como el Instituto Superior de Arte de Bourdeaux, Francia; la Escuela Nacional de Cuba, Habana; el American Ballet Teather (ABT) de Nueva York, E.U.A.; la Rock School for Dance Education en Filadelfia, E.U.A., y otras para continuar sus estudios por las mejores escuelas de ballet del mundo, como Australian Ballet, Ópera de París, Stuttgart Ballet, Boston Ballet, San Francisco Ballet, Eglavsky Ballet, Winnipeg School, National Ballet of Canada y Royal Ballet de Londres.

A los 14 años fue invitado especial para participar en la Gala de Ballet "Los Gigantes de la Danza". Ahí compartió el mismo escenario con figuras internacionales como José Manuel Carreño y Gillian Murphy (American Ballet Theatre), Giuseppe Picone y Simona Noja (Ópera de Viena), José Martínez y Agnés Letestu (Ópera de París), Alina Cojocaru y Joan Kobborg (Royal Ballet de Londres), Rolando Sarabia (Ballet Nacional de Cuba), Conjunto Flamenco de Miguel Ángel Berna. También con Carlos Acosta, Hernán Cornejo y Ramón Thielen, entre otros.

En ese entonces, muchos cuestionaron su intervención con los grandes; sin embargo, el bailarín tapatío pidió una oportunidad para demostrar los frutos cosechados a su corta edad, que le brindaron la seguridad para enfrentar ese importante reto en su trayectoria.

A los 15 años ya había participado en los certámenes de danza más importantes del mundo. Isaac es un claro ejemplo de perseverancia, ya que su entrega y pasión por este oficio le han valido una larga lista de logros y reconocimientos, algunos de los cuales son:

• Medalla de Oro en la categoría Junior Masculino en la USA International Ballet Competition en Jackson, Mississippi (2006). Recibe también el Primer Premio Anual "Ballet International Award" que se otorgará cada año alternativamente a un talento joven que muestre claramente una promisoria carrera futura y a un bailarín profesional establecido.

• Premio Jeromme Robbins a la Excelencia Artística, Filadelfia, E.U. (2006)

• Medalla de Bronce en el Concurso Internacional de Ballet de Moscú, Rusia (2005). Recibe también el Premio a la Excelencia Técnica, que sólo en tres ocasiones ha otorgado la Sociedad de Ballet del Kirov, una de ellas a Rudolf Nureyev. Este es uno de sus más grandes éxitos, ya que Rusia es el país del que han surgido los máximos exponentes de la danza clásica.

• Primer Lugar y Premio al Mejor Bailarín de la división junior en el Youth America Grand Prix de Nueva York (2003), Premio a la Excelencia (best overall) en la misma competencia, división junior (2004)

• Medalla de Oro en el Concurso Internacional para Estudiantes de Ballet en La Habana, Cuba (2004). Es el primer bailarín extranjero en ganar medalla de oro. Hay que resaltar que los cubanos son reconocidos como potencia mundial en esta especialidad.

• Medalla de Oro de la categoría pre-pro y Grand Prix en el Concours International Odysseé de la Danse en Lyon, Francia (2002)

• Primer Lugar y Premio al Talento Clásico en el Prague Dance Festival de Praga, República Checa (2002)

• Premio Nacional de la Juventud en Actividades Artísticas, México (2002)

• Medalla de Plata en el Concurso Internacional de la Dance Educators of America en Costa Rica (2001)

• Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Ballet Clásico Infantil y Juvenil en Guatemala (2001)

Es el único bailarín que a los 14 años ha ganado el Youth American Grand Prix dos años consecutivos. Todos estos logros han hecho que Isaac sea reconocido internacionalmente en el mundo de la danza y le han brindado las oportunidades de desarrollo profesional en cualquier escuela o compañía. Ha estado en la ABT Studio Company de Nueva York, una compañía cuyos integrantes son alumnos de 16 a 20 años con un potencial superior y tienen la oportunidad de trabajar con coreógrafos internacionales, haciendo giras y entrenamientos diarios para alcanzar su máximo nivel de excelencia.

Se han editado numerosos reportajes sobre su carrera en publicaciones de corte mundial, como Dance Europe, Pointe Magazine, Young Dancer, Contenido, Dance Magazine y The Wall Street Journal.

Isaac reconoce que su carrera no ha sido fácil, pero su padre le enseñó a luchar por todo, diciéndole que “nada viene gratis”. Este joven es la prueba viviente de que se pueden alcanzar los sueños con base en el trabajo. Contra viento y marea, con o sin apoyos, ha puesto en alto el nombre de México en el gremio dancístico mundial. Recientemente se incorporó al cuerpo de ballet del San Francisco Ballet.

ISAAC HERNANDEZ ES UN ORGULLO PARA LOS MEXICANOS QUE AMAMOS LA DANZA

Trofeo de la primera entrega del Ballet International Award 2006

Sitio Web de Isaac Hernández

Aquí tienen 3 videos de Isaac:

Isaac

Moscow 2005

Pas de Deux

Folklórico Mexicano

2008-11-09T23:03:00.034-06:00

(Click en las fotos para ver tamaño original)

México es un país lleno de colorido y con una extensa variedad de tradiciones. Es un maravilloso mosaico, como pocos hay en el mundo. La danza no es la excepción de este inigualable enjambre de color, música, historia y tradición.

De ahí que el Folklórico Mexicano es un abanico infinito de posibilidades para investigar, estudiar y disfrutar. Poco a poco iremos conociendo los diferentes bailes de México, en todas sus designaciones: sones, huapangos, corridos, jaranas, zapateados, polkas, jarabes, cuadrillas, prehispánicos, festivos, étnicos, sociales, estilizados y más.

Este género de danza fue el primero que estudié, cuando era niña y lo bailé por muchos años. Siempre con el mismo maestro, un primer bailarín del Ballet Folklórico de México y excelente coreógrafo. Tengo el honor de haber sido su primera alumna, y él dice que conmigo se hizo maestro. Es cierto, él era tan joven, con sólo 19 años se inició como maestro. Mi mamá quería que yo estudiara este tipo de danza y buscó un maestro que fuera a casa a darme clases, pues ella trabajaba y no podía llevarme a alguna academia. Hasta que lo consiguió, y se unieron a mis clases tres primas, la hija de unos amigos y tres sobrinas del maestro.

Ese gran maestro fue Mario Mejía Cabrales, a quien siempre recuerdo con muchísimo cariño y admiración. En cualquier función en la que participaran grupos de diferentes coreógrafos, siempre resaltaba el grupo del Maestro Mejía, por que él era muy exigente con todo, perfeccionista y cuidadoso, y eso exigía a sus alumnos, sin importar la edad de los mismos. A nosotras desde niñas siempre nos insistió en que las cosas se debían hacer bien, a tiempo, para que se viera bien. También en asuntos de vestuario era muy cuidadoso, no permitía errores. Definitivamente eso lo traía de la escuela de Amalia Hernández, pues ella así era, exigente para todo y con todos.

Sin afan de presunción ni de sonar pedante, en esa época (60's), además de nuestros festivales de danza propios (para que nuestras familias y amigos vieran los avances, año con año), nuestro grupo, formado por las 7 niñas, era muy solicitado para participar en festivales de diferentes escuelas de danza como invitado, también en eventos sociales (YMCA, University Club, Schridners) y para programas de televisión.

Los comentarios siempre eran los mismos: "Parecen adultas, bailan como adultas, parecen profesionales, es todo un ballet".Y claro, por supuesto que nosotras siempre procurábamos ser mejores cada día por que nos gustaba sentir que éramos un grupo infantil fuera de lo común, no era bailar por divertirnos -aunque nos divertíamos bailando- sino por agradar a un público como espectáculo. Eso lo aprendimos desde muy pequeñas y adquirimos la suficiente responsabilidad para llevarlo a cabo.De eso siempre me sentiré muy orgullosa, al igual que de mi Maestro Mario Mejía, gracias a él lo pudimos hacer siempre tan bien.

¡Gracias Maestro Mario Mejía!

El amor a la danza también se transmite

El Lago de los Cisnes

2008-10-27T23:31:00.066-06:00

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Un poco de historia

Primer ballet de Tchaikovsky, se estrenó con cuatro actos, en el Teatro Bolshoi de Moscú el 4 de marzo de 1877, con coreografía del austriaco Wenzel (Julius) Reisinger. Paradójicamente, el Lago de los Cisnes no fue muy aceptado en su momento. Sin embargo, en enero de 1895, dos años después de la muerte de Tchaikovsky, este ballet logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, con la nueva coreografía de Marius Petipa y de Lev Ivanov. Petipa se encargó del primer y tercer actos (actos en el castillo) e Ivanov del segundo y cuarto actos (actos del lago). El doble personaje de Odette/Odile estuvo a cargo de la bailarina italiana Pierina Legnani, quien como Odile, tuvo oportunidad de demostrar su brillantez técnica e intenso dramatismo al implantar en el Pas de Deux del cisne negro (III Acto), los 32 fouettés (giros dados sobre una pierna impulsándose con la otra) continuos que hicieron historia, y que hasta el presente se realizan y sirven al público como patrón para medir el virtuosismo de la bailarina.

Tchaikovsky revisó y modificó la partitura en varias ocasiones, añadiendo fragmentos de música de algunas otras de sus obras. El Adagio principal de la ópera Ondine -que él mismo había descartado- fue añadido a principios del siglo XX a una escena del lago, convirtiéndose en el conocido y admirado Pas de Deux del II Acto de esta maravillosa obra.

El Lago de los Cisnes nació como un encargo de la Dirección Imperial de los Teatros de Moscú. Para este trabajo Tchaikovsky empleó una música que había compuesto para los hijos de su hermana Alexandra Davidova. Esta música es de una variedad y sutileza remarcables, con una coherencia y una progresión que hace avanzar la acción dramática que llega a alcanzar una fuerza trágica totalmente inesperada para la época. Los ballets de Tchaikovsky representan el primer intento de utilizar música dramática para danza.

La música de Tchaikovsky en El Lago de los Cisnes lo encumbra como “el más admirado compositor de música de ballet en la tradición clásica que jamás haya existido”, como la mayor responsable, por estar repleta de ricas melodías muy apropiadas para danzar, y sumamente bellas y agradables para escuchar.

Tchaikovsky contaba con 35 años, había compuesto 3 óperas, 3 sinfonías y algunos cuartetos para cuerda. Ahora tenía como objetivo introducir la música sinfónica dentro del ballet. Esta obra es la culminación del ballet, y forma parte de la base de cualquier compañía de ballet. En el Lago de los Cisnes se manifiesta la conjugación de elementos eslavos y franceses. A través de ellos, Tchaikovsky trata el conflicto entre bondad y maldad, felicidad y desgracia, vida y muerte.

Argumento

Acto I

(En el Castillo y el Lago)

Se preparan las festividades para celebrar el inicio de la temporada de caza. En su castillo, el príncipe Siegfried celebra su cumpleaños en compañía de sus amigos. La reina, madre de Siegfried, llega a la fiesta para recordarle a éste que debería escoger una esposa y que con ese propósito le ha preparado un baile para festejar los veintiún años del príncipe. Al baile estarán invitadas muchachas jóvenes y el príncipe deberá elegir a una de ellas. Sus amigos, al finalizar la fiesta, deciden invitarlo a ir de caza.

Unos cisnes blancos pasan volando y -tomando su ballesta- el príncipe los persigue en la noche.

Acto II
(Junto al Lago, a la luz de la luna)

Este acto es muy conocido como el “Acto Blanco”, a mí es el que más me gusta, después de éste, me gusta el Acto III por su gran diversidad)

De las aguas comienzan a salir unos cisnes que se van convirtiendo en hermosas jóvenes. Siegfried llega al lago y apunta con su ballesta hacia las jóvenes-cisnes cuando aparece Odette -reina de los cisnes- quien se transforma en una bella joven.

Ella le cuenta que es la Princesa Odette y que fue transformada en cisne junto con sus compañeras por el malvado brujo Von Rotbarth, que vuelven a su forma humana solamente en la noche y que el hechizo solo puede romperlo quien le jure amor eterno.

Los jóvenes se enamoran rápidamente. Cuando Siegfried va a jurarle amor para siempre a Odette, aparece Rotbarth, quien hace que las jóvenes vuelvan a convertirse en cisnes, para evitar que el príncipe rompa el hechizo. Siegfried intenta disparar al brujo, pero Odette le explica que si él lo matara, nunca se rompería el embrujo. Siegfried jura amor eterno a Odette; ella le advierte que si rompe su promesa, ella permanecerá para siempre siendo un cisne. Al amanecer, Odette regresa al lago y nuevamente se convierte en cisne. Antes de marcharse Odette, Siegfried le pide que asista al baile que se realizará en el castillo la noche siguiente.

Acto III
(Salón de Baile del Castillo)

Se celebra la fiesta en el castillo donde Siegfried deberá elegir esposa. Entra la reina madre junto a Siegfried y el maestro de ceremonias da comienzo al festejo. Se presentan las jóvenes casaderas y la reina madre le pide a Siegfried que elija esposa. Mientras el Príncipe baila, sus pensamientos son para Odette, se niega a escoger esposa y su madre se enfada con él. En ese momento el maestro de ceremonias anuncia la llegada de un noble desconocido y su hija. Es el barón Rotbarth que llega a la fiesta con su hija Odile. El príncipe, hechizado por el mago, cree ver a Odette en Odile. Siegfried está asombrado por el parecido de Odile con su princesa. Él la escoge como su esposa, la reina madre acepta y Siegfried le jura a Odile amor eterno.

Rotbarth se descubre y muestra a Odette a lo lejos. Siegfried se da cuenta del engaño y de su terrible error y corre desesperado hacia el lago. Odette y sus damas aparecen mientras Rotbarth destruye el castillo.

Acto IV
(Junto al Lago)

A la orilla del lago las jóvenes-cisne esperan tristemente la llegada de Odette. Ella llega llorando desesperada, contándoles a sus amigas los tristes acontecimientos de la fiesta en el castillo. Aparece Siegfried y le implora su perdón. Odette perdona a Siegfried por su inconsciente traición y los amantes deciden permanecer unidos hasta la muerte. Reaparece Rotbarth provocando una tormenta lleno de furia, reclamando el regreso de los cisnes. Siegfried y Odette luchan contra él, pero todo es en vano, pues el maleficio no puede ser deshecho. Pero el amor de Odette y Siegfried es más poderoso que la magia del brujo. Los dos enamorados se lanzan al lago. Rotbarth muere a consecuencia de ese sacrificio de amor y los otros cisnes son liberados del maleficio. Sobre el lago aparecen los espíritus de Odette y Siegfried, ya juntos para siempre.

Existen otras versiones para el final del cuarto acto, en las que Odette y Siegfried luchan por su amor y rompen el hechizo matando a Rotbarth y pudiendo así vivir juntos.

Aquí les dejo algunos videos con partes de esta obra, espero los disfruten.

Pas de Deux (II Acto) con Svetlana Zakharova

Pas de Trois (II Acto)

con el Ballet Bolshoi

Pas de Quatre (II Acto) con el Ballet Kirov

Danza Española (III Acto)

Pas de Deux - Cisne Negro/Odile (III Acto) con la fabulosa Svetlana Zakharova y Roberto Bolle

Introducción

2008-09-27T02:43:00.018-05:00

Una escena del Lago de los Cisnes, con una de mis compañías preferidas: el Ballet Bolshoi

(click en la foto para ver tamaño original)

El mundo de la danza, la danza del mundo, es igual, lo importante es saber un poco más sobre este hermoso arte, que ha sido mi pasión desde que era niña y del que he sido ejecutante, habiendo vivido la gran satisfacción que se siente al poder realizar diferentes tipos de baile con la debida aplicación de la técnica correspondiente y el cuerpo y el espíritu puestos en ello. Sólo espero contribuir en algo a la llamada "Escultura en movimiento".

Es un arte, pero para mí no es solamente eso, sino una parte muy importante de mi infancia, mi juventud, mi madurez, mi imaginación, de momentos felices y momentos tristes, de recuerdos y de un entorno que siempre me acompaña sin importar lo que esté sucediendo en el mundo exterior, en mi mundo interior la danza es una presencia constante.

Y es tan grande el espacio que ocupa la danza en mi vida (debido a que me gustan tantos géneros de este maravilloso arte), que nunca termino de investigar, de buscar y encontrar cosas interesantes como novedades técnicas sorprendentes, nuevos bailarines, ballets de nueva creación, coreógrafos, historias, imágenes, fotos y un sinfin de información que llenan ese gran espacio que para mí siempre ha sido esencial, y el que ame la danza comprenderá lo que digo.

Diversos tipos de danza, compañías, bailarines, coreógrafos, estilos, historia, de todo trataré de incluir en este espacio procurando ampliar para algunos el panorama, y esperando con algunas aportaciones útiles poder ampliar el mío.

Existen tantas y tan diversas formas de baile, que es difícil saber por dónde empezar, por lo que hay que ir poco a poco, pero por lo pronto aquí pongo una lista, solamente para que se tenga una idea general de la amplitud que tiene la gama de este arte. Con el tiempo iré alimentando esta información. No sé cuánto me tome, pero de lo que sí estoy segura, es de que para mí es un placer hacerlo.

Maika (Maricarmen)

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